Cuando en el invierno de 2011 se anunciaba el inminente cierre de Punto de Vista, certamen de documental de Pamplona, algo tembló en los cimientos de la cultura independiente. La respuesta inmediata en la red de miles de simpatizantes forzó un cambio de postura en los responsables de la financiación del festival, que tuvieron que aportar una solución de compromiso convirtiendo la cita en bienal, y organizando en los años alternos un seminario a modo de OFF-Festival. Conviene considerar esto como un gran triunfo, visto lo sucedido en el ámbito cultural desde entonces.
2012 no tuvo su festival Punto de Vista, y 2013 se adivinaba como una ocasión definitiva en la que se jugaría el futuro de la cita. Máximo, cuando se trataba del último año con su director, Josetxo Cerdán, al frente. Puestas las espadas en todo lo alto, Punto de Vista no se amedrantó y entregó una programación concentrada y salvaje, arriesgando más que nunca posiblemente. Una apuesta con todas las consecuencias, dispuesto el festival a dejar claro, por encima de todo, su principal valor: un compromiso radical con la ruptura de lo convencional que invita siempre (y a veces obliga) a replantearse los aspectos conceptuales y plásticos en la relación entre el ser humano, la realidad y la imagen como representación.
Por mucho que suene manido, si no existiera Punto de Vista, habría que inventarlo. Incluidos sus errores (sobre todo, sus errores). Cada proyección es un reto para el espectador; siempre impresionante, aunque estimulador de impresiones distintas, incluso nuevas o desconcertantes, lo que al final es toda una garantía. La mejor noticia de todas las vividas en la pasada edición de Punto de Vista fue sin duda la clamorosa respuesta del público, que se volcó en masa para reivindicar un festival imprescindible dentro del circuito cinematográfico español.
Punto de Vista es uno de esos pocos certámenes donde la cantidad de metraje no correlaciona necesariamente con la calidad, presentando una muy selecta competición oficial donde conviven cortos y largos (y obras que no son ni uno ni otro), aunque también se concede un premio específico al mejor corto. Sin embargo, aquí nos fijaremos únicamente en lo que la organización consideró la categoría de cortos a competición.
El grupo incluía 6 trabajos en un conjunto irregular, tanto en aspiraciones, como en resultados. El fallo del jurado, polémico cuanto menos, resolvió conceder el Premio al Mejor Corto a Toma dos, corto cubano de la directora Pilar Álvarez, que se escapa al territorio fronterizo del docudrama para recrear un momento decisivo en la vida y la relación de un matrimonio cubano, cuando la mujer está a punto de quemarse a lo bonzo por la conducta de su marido y él cambia de vida, salvándose mutuamente.
Toma dos conjuga las explicaciones in situ de la protagonista, como en un reportaje o una noticia televisiva, para dar luego un paso más hacia la ficción para reconstruir el momento. La idea es atractiva, pero no logra evitar transmitir cierta frialdad y dejar la sensación de intranscendencia ante un episodio que no llega a emocionar ni a aportar ideas sólidas.
En el Palmarés Oficial se coló con gran sorpresa otro cortometraje, la miniatura Dad’s stick, que le valió el Premio al Mejor Director de este año al veterano John Smith (que este año también mostró The man phoning mum en Glasgow). La obra de John Smith, de 4 minutos de duración, es una pieza sumamente minimalista que ahonda en las capas de la memoria a partir de unos pocos objetos pertenecientes al padre del director, especialmente un palo que utilizaba para pintar sus cuadros. Sirviéndose de estas imágenes estáticas sobre fondos apastelados planos y grandes textos sobreimpresionados, desciende a las profundidades del recuerdo para enfrentarse a los traumas y la violencia del pasado. Otra obra con curioso interés, pero menor dentro de la trayectoria de este gran realizador y algo simplista para ser merecedora de su galardón.
Fuera del palmarés se quedaron obras que sería injusto olvidar, como Handful of dust, de Hope Tucker. En la línea de su muy recomendable The obituary project, el nuevo trabajo de Hope Tucker se impregna de poesía para elaborar una ensoñación que invita a reflexionar sobre la historia, la cultura, las migraciones; lo efímero de la vida humana frente al Tiempo expresado con una sutil mezcla de crudeza y delicadeza.
La cinta más emotiva del conjunto fue sin duda The Florestine collection, donde la propia historia de la película se entrelaza con su trama, aunque contrapesa un indisimulado sentimentalismo con una fuerte espíritu DIY de textura low-fi, que nos devuelve por unos instantes al grunge. The Florestine collection (premiado en Ann Arbour, DOXA y Crossroads) es el rescate de otro proyecto, frustrado por la fatalidad. Todo comienza cuando su directora, Helen Hill se encuentra un centenar de vestidos en la basura. Estos han sido confeccionados por una anciana de su ciudad, Nueva Orleans, pero ella ha muerto. Helen comienza a realizar un film a partir de ese hallazgo, pero el Katrina la detiene. De regreso a la devastada ciudad, encuentra su casa y su taller en ruinas. Poco a poco ella y su marido tratan de reconstruir su vida y hogar, pero Helen es asesinada por un ladrón que entra en su casa.
The Florestine project es finalizado por Paul Gailiunas, el marido de Helen, recogiendo las primeras ideas de la directora e incorporando esta otra historia íntima de la película; todo ello mediante un trabajo de stop motion basto y básico, un collage animado asentado en toscas siluetas, dibujos a mano y las telas de los vestidos hallados. El sentimiento de homenaje se apodera a veces de la intención y se recrea en la nostalgia pero sin perder nunca una honestidad que se conjuga muy bien con ese acabado desaliñado y casero, pero sin lograr tampoco escapar de su propia sencillez. El corto recibió una de las dos Menciones Especiales del Jurado.
Los dos cortos que completaron la selección oficial fueron el británico
Hoof, tooth & claw, dirigido a cuatro manos por Adam Gutch y Chu-Li Shewring, que con un estilo agreste nos traslada a la desvencijada granja galesa donde reside la anciana Betty French en compañía de algunos animales, un espacio que debe abandonar en breve pues las autoridades han decidido que no está capacitada para atenderlos debidamente. Un corto otoñal y a veces tragicómico que no logra, a mi entender, cumplir con todos los propósitos que se impone, aunque tiene sus momentos.
El otro corto fue Sniegs/Snow crazy, de la lituana Laia Pakalnina. Este fue el más cercano a las fórmulas narrativas usuales, pero suplió su poco riesgo con su paradoja argumental, ya que viene a describir la explosión (locura verdadera) del esquí en Lituania, lo que ha llevado a que de la noche a la mañana se comenzasen a construir y abrir estaciones para los aficionados locales y extranjeros. El hecho curioso es que Lituania es un país sin montañas, cuya cota más alta apenas alcanza los 300 metros, que no ha impedido la creación de una burbuja económica en miniatura en torno a este fenómeno.
Sniegs/Snow crazy retrata con soltura las transformaciones del país, tanto sociales como físicas, producidas como consecuencia de su inmersión en una economía de mercado globalizada, donde el turismo se abre como una gran oportunidad económica. En su contra juegan sin embargo unas soluciones formales que puede que resulten demasiado ortodoxas o trilladas para un certamen tan visceral como este; aunque no deja de ser un trabajo simpático que merece su consideración.
