Intro
Resulta desalentador comenzar esta reseña diciendo que, con ligeros matices, todo lo que comentamos sobre el cortometraje en DocumentaMadrid 2013 continúa vigente en la Edición 2014. Y si en el 2013 existía el atenuante de la escasez de tiempo, esta vez no puede ser una excusa. Así que, para no repetirnos, nos remitimos a nuestro anterior Editorial sobre el Certamen, si bien aquí enumeramos las que consideramos sus principales carencias, algunas muy serias: el palmario desprecio al formato del mediometraje; la desaparición de un Certamen Nacional que sigue antojándose imprescindible (enhorabuena a Alcances, la política de Documenta le consolida como el certamen esencial del documental español); la sospechosa inexistencia de cortometrajes españoles centrados en la realidad sociopolítica actual por segundo año consecutivo…
Y la definitiva inclinación del Festival por el documental más canónico. A la era Delgado (que ya puede echarse abiertamente de menos) podía, si acaso, achacársele un exceso de formalismo, pero lo cierto es que jamás le faltó arrojo y riqueza de propuestas que convirtieron a Documenta en toda una referencia. En esta nueva etapa, los hallazgos formales regresan al sótano de lo minoritario en beneficio de una línea claramente generalista, y con una visión del cortometraje documental un tanto reductora. Los que deseen pasar un buen rato con un Festival de carácter tradicional están de enhorabuena. Por nuestra parte, nos parece un ejemplo de empobrecimiento cultural.
Hemos dicho que había ligeros matices. Primero, la presencia de cortos españoles en la Competición Internacional se ha doblado: en vez de uno, dos (eso sí, uno de ellos Fuera de Concurso). Segundo, el Panorama del Documental Español se ha visto reforzado con la concesión del Premio Master IPECC al Mejor Cortometraje. Nos alegramos, pero insistimos que la verdadera solución estriba en la recuperación de una Sección Oficial de Cortometraje Nacional.
Y tercero. Los comentarios anteriores van dirigidos exclusivamente a la política de la Dirección del Festival respecto al cortometraje. Porque lo cierto es que los programadores, siempre delimitados por esa línea global generalista y reductora, han presentado una selección notable. Y el Jurado, un Palmarés modélico.
El maremoto latino
Así es como se ha vivido el contundente desembarco de la producción latinoamericana, portadora de títulos admirables que, con toda justicia, encandilaron al Jurado. Sobre todo dos de los premiados: el argentino La reina y el mexicano La Parka, que parten de planteamientos codificados, manidos (las alienadas misses infantiles en el primer caso, los terribles mataderos de reses en el segundo), pero que resultan poderosamente potenciados gracias a un tratamiento personal e imaginativo.
El espléndido La reina mereció el Primer Premio, y no por contarnos que la obsesión por la belleza y la instrumentalización de la infancia son cosas muy pero que muy malas, sino por transformar esta historia en principio obvia en una auténtica comedia negra, gracias a un inteligente empleo del punto de vista. El corto cuenta cómo una niña de aspecto angelical es presentada por su madre al concurso de Reina de Chocolate, donde deberá exhibirse con un ostentoso traje coronado por un mortal casco de seis kilos de peso. El director, Manuel Abramovich, se centra casi exclusivamente en el rostro y los ojos progresivamente aterrados de la niña, que va descubriendo cómo el casco y el traje van a suponer una soberana tortura. Escenas como aquella en que la niña escucha cómo su madre y una amiga comentan, entre risas, las heridas y tremendos dolores que causará el temible casco en su nuca y espalda ¡cuando a la niña se le pasen los efectos de la xilocaína! son tan estremecedores como divertidísimos. Con unos pocos pero brillantes planos, Abramovich consigue transmitir la idea no ya de que la niña esté manipulada y cosificada por la madre, sino de que va camino de la matanza.
De una matanza metafórica a otra literal. La Parka, excelente muestra del mejor cine salido del Centro de Capacitación Cinematográfica de México, es mucho más que otro documental de mataderos. Es el retrato vibrante de un hombre al que apodan “La Parka”, porque… bueno, este hombre es “La Parka”:
El director, Gabriel Serra, sigue con la cámara a este honrado trabajador que lleva 20 años matando 500 reses al día, 5 días a la semana (hagan las cuentas). En ningún caso se ve matar res alguna (excepto al final, y el resultado de esa demora es escalofriante), pero sí se describe toda la sordidez ambiental a partir, sobre todo, de detalles que permiten al espectador imaginar un conjunto sobrecogedor, y de un inteligente empleo del off sonoro (no vemos escenas truculentas pero sí oímos choques de metales, máquinas chirriando, gemidos animales de terror). Serra incluye diversas declaraciones del hombre, algunas de gran fuerza poética (el sueño en el que las reses le rodean y le dicen: “ahora te toca a ti”) y así compone un retrato del protagonista tan implacable como tierno, si bien la conclusión final es que “La Parka”, privado de otra manera de vivir que no sea matar reses, se ha convertido en la muerte trabajando.
En cuanto al Premio Especial del Jurado, el brasileño Jessy de Paula Lice, Rodrigo Luna y Ronel Jorge, me siento dividido. Podría definirse como una cuasicámara doméstica, sin apenas elaboración formal, que recoge una escena que, sin embargo, es todo dinamismo: el ensayo de una mujer, Jessy, que se dispone a actuar en un local de irresistibles transformistas (la escena en que hace un playback a lo Mariah Carey con una escoba a la espalda no tiene desperdicio). Usted decide si esto no es cine, o es poco cine, o por el contrario opina que la estética doméstica es una manera innovadora de atrapar una inmediatez, esta sí, rebosante de vitalidad.
Documental abstracto y otros experimentos formales
El Segundo Premio del Jurado fue el título más atrevido de la competición: el alemán Substanz de Sebastian Mez. Partiendo de imágenes de paisajes y edificios devastados por el terremoto de Fukushima, Substanz juega con sus texturas para componer todo tipo de sobreimpresiones de las mismas, seguidas de escenas de la vida diaria y de medios de información igualmente sobreimpresionadas e inestables. Substanz permite, no ya pensar, sino sentir de manera inmejorable cómo los sucesos de Fukushima han conformado una realidad cotidiana en la que no sólo ha temblado la tierra, sino las bases vitales, las referencias, toda una concepción de la realidad que puede derrumbarse en cualquier instante.
Ya fuera del Palmarés hubo algún que otro título con inquietudes formales que conseguía escapar de la línea tradicional marcada: como el espectacular documental abstracto Emergency Calls / Hätäkutsu, ya comentado en Cortosfera. O el interesantísimo y rabioso Xenos, coproducción entre Dinamarca, Grecia y Reino Unido realizada por el palestino Mahdi Fleifel. El director documenta la vida diaria de un grupo de emigrantes palestinos, procedentes de un campo de refugiados de Líbano, que se han instalado en Grecia y han quedado enquistados, y atrapados por la droga, en un país que no puede ofrecerles sino miseria. La crudeza de las imágenes (por lo que se ve en ellas, pero también por el adecuado nerviosismo de la cámara y el montaje) se beneficia de un afinado contrapunto lírico: la narración paralela de la conversación por skype entre el emigrante protagonista y un amigo que le llama desde el campo de refugiados.
La cosecha española
El Premio del Público fue a parar a uno de los títulos españoles: Walls: Si estas paredes hablasen de Miguel López Beraza. Desde luego, el planteamiento es brillante: un edificio de Budapest se dispone a presentarnos a dos de sus inquilinos favoritos, dos ancianitos que inmediatamente conquistan al espectador. Si bien el edificio parlante no es un recurso totalmente nuevo (ahí está Interiorismo), sí está ejecutado con un tono sencillo y cercano que resulta de lo más convincente. Y aunque podría argüirse que el corto, finalmente, da un poco menos de lo que promete (los ancianitos son entrañables, pero no tan interesantes como nos ha asegurado el edificio), en cualquier caso el resultado desborda simpatía y el galardón no resulta desproporcionado.
El vídeo enlazado en el artículo original ya no está disponible en su plataforma.
El otro título español, Fuera de Concurso, fue Prisioneros del Kanun de Roser Corella, que parte de una historia magnífica: después de la caída del régimen comunista, en los montes albanos perviven las rivalidades entre clanes por delitos de sangre, de tal modo que, durante años y años, familias enteras no se atreven a salir de su casa por miedo a ser asesinados. Una obra un poco alargada y de formas claramente televisivas, sí, pero televisión de primera categoría, en la que Corella despliega un excelente sentido de la observación y un notable pulso narrativo.
El Panorama del Documental Español, imprescindible en la sombra, ofreció algunas de las propuestas más arriesgadas del Festival. Aparte de los ya fogueados Souvenir y Zela Trovke, Panorama presentó otros tres títulos: Hacia una primavera rosa de Mario de la Torre, documental bien conducido y urdido sobre la situación de los homosexuales tunecinos después de la Primavera Árabe, y cuyo discurso está expresado con claridad y convicción: para los gays de Túnez, la citada Primavera está resultando un Invierno, pues los partidos islamistas que han tomado el poder han iniciado una encarnizada persecución contra ellos.
El Master de la Autónoma de Barcelona contribuyó con Joventut, solitud, ensayo coral a diez manos (Jesús Boyero, Eloi Teixidor, Iris Domato, Teresa Mata, Nihan Yildiz) sobre el significado de la soledad en la juventud, que a pesar de abordar por las bravas todo tipo de especulaciones metafísicas no cae nunca en el ridículo, gracias a la espontaneidad de las imágenes grabadas y a esporádicos fragmentos inspirados, como el bloque de preguntas trascendentes a un grupo de amigos (sólo se oye la pregunta, del preguntado sólo vemos su primera reacción) y un curioso montaje de escenas de jóvenes divirtiéndose, acompañado de un sonido malsano, como de claxon, que le confiere una atmósfera de vacío y desconcierto.
Finalmente, el citado Premio IPECC recayó en Pilar Álvarez, directora de ¡Bello, bello, bello!, título algo grandilocuente para una obra muy particular, producción de la Escuela de Cine y TV de San Antonio de los Baños (EICTV) en Cuba. Álvarez escarba en las relaciones entre documental y fantástico a partir de una premisa excelente: después de que se cierren las puertas y se apaguen las luces en el Museo de Bellas Artes de La Habana, comienza la noche de los cuadros. La cámara se pasea por las telas a oscuras y va construyendo una atmósfera mágica, que da paso a los ecos de las voces de los visitantes y, especialmente, a la sentida voz de un hombre (presumiblemente homosexual: la evocación de Reynaldo Arenas es inevitable) que, a medida que comenta los distintos cuadros, va dibujando un cuadro completo de su conflictiva vida. Y hay que decir que, en bastantes casos, ese diálogo fantasmagórico entre los cuadros en penumbra y este hombre con tendencias neuróticas pero fácil de querer cobra cuerpo y emoción, como si la contemplación del Museo en la noche cerrada resultara, para él, una cura.
Óscar de Julián
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