L’Alternativa, Festival de Cinema Independent de Barcelona (I)
El Festival de Cinema Independent de Barcelona se hace mayor: cumple 21 años y lo hace por todo lo alto, ofreciendo durante una semana interesantes propuestas (159 nada menos) tanto de larga como de corta duración. Retrospectivas dedicadas a Djibril Diop Mambéty o Anne-Marie Miéville sirven para consolidar aun más la programación de un festival que apuesta por el riesgo y la experimentación proyectando obras que generalmente han sido realizadas al margen de la gran industria cinematográfica. Pero L’Alternativa no es sólo eso, también es un festival que apuesta por la potencialidad del cortometraje en todas sus vertientes: ficción, documental, animación… La heterogeneidad es la norma imperante y la ocasión de disfrutar de tantos cortos en tan poco tiempo una gran oportunidad. Ahí van algunos ejemplos de lo que se ha podido ver en los primeros días en la Sección Oficial a competición:
Drive with care, de Pilvi Takala
En Short (Estados Unidos, 2013), Robert Todd –artista visual con una larga y consolidada trayectoria en el campo del cine experimental– ofrece una inusual experiencia visual: la negación de la imagen alternada con el ofrecimiento de la misma, la luz que revela tanto como oculta, la narratividad que es exclusivamente creada a partir de los nexos que el espectador sea capaz de realizar durante este recorrido por un entorno tan cotidiano como siniestro. Y si Todd trabajaba exclusivamente con imágenes y silencio, Manuel Abramovich en La Reina (Argentina, 2013) hace que las palabras pronunciadas por sus personajes se conviertan en ácido corrosivo. A partir de una anécdota tan trivial como la colocación de una corona a la reina del chocolate en un carnaval, Abramovich nos ofrece un documental no exento de humor que reflexiona, como quien no quiere la cosa, sobre los límites de la estupidez humana con mayúsculas.
También con mucho humor (aunque en este caso no tan negro) nos presenta Pilvi Takala Drive with care (Estados Unidos/Finlandia, 2014), cortometraje que describe la vida de una profesora en una escuela de élite de EEUU. Las estrategias utilizadas por Takala son similares a las que utilizó León Siminiani en su serie Conceptos clave del mundo moderno (iniciada en 1998 y todavía inconclusa): una única voz en off que describe el estado de la cuestión de un modo aparentemente neutral (la profesora que narra su día a día) es combinada con imágenes descriptivas y el resultado deviene en algo inesperado; algo situado a medio camino entre lo trágico y lo cómico, la conclusión de que la sonrisa de complicidad del espectador tal vez sea compasión camuflada.
Symphony nº 42, de Réka Bucsi
Pero si de algo no cabe duda es de que el humor en sus más diversas vertientes ha sido uno de los grandes protagonistas de este primer día de cortometrajes. Porque si algo hay en Symphony nº 42 (Hungría, 2013) es humor. Un humor a ratos surrealista y absurdo, a ratos cotidiano, a ratos metafórico, onírico y sagaz. El humor de los guiños y referentes, de las imágenes inesperadas, del contraste que se obtiene de la superposición de un dibujo preciosista y naíf con una situación grotesca. No hay un argumento evidente, tan solo 47 breves secuencias interrelacionadas que ilustran un mundo al revés asombrosamente parecido al que habitamos. Animales que se comportan como personas que se comportan como animales que…
Y si en Symphony nº 42 resulta llamativo el tono naíf de las ilustraciones, en My Dad (Reino Unido, 2014), Marcus Armitage saca partido de las posibilidades de expresión más viscerales que tiene la animación. Líneas y trazos intencionalmente toscos, manchas de color que hacen pensar en el fauvismo, la expresividad de una técnica llevada al límite en una animación que reflexiona sobre la xenofobia como acto tristemente cotidiano. Y desde aquí, un cambio de registro nos lleva a la ciencia-ficción. O a algo que yo más bien llamaría ‘arqueología-ficción’ (si la palabra no existe tal vez sea necesario inventarla). En The Claustrum (Estados Unidos, 2014), Jay Rosenblatt parte de imágenes de archivo de varias épocas para ilustrar tres casos de estudio psicoanalítico. Los casos de tres mujeres cuya incapacidad para adaptarse a esta sociedad (por otro lado, profundamente enferma) las lleva a convertirse en objeto de riguroso y simbólico análisis por parte del cineasta.
Y si The Claustrum se nos presenta como un interesante experimento narrativo, tanto Traversées (Francia, 2013) como The Kiss (España, 2014) se convierten en ejemplos de experimentación visual, formal y conceptual. Por un lado, Traversées es una exploración coreográfica de las posibilidades del patinaje como modo de expresión (y definición) de los personajes. Por otro, The Kiss es una matryoshka cinematográfica, un trabajo de arqueocinematografía, un collage realizado en 28 formatos distintos, un acercamiento progresivo e imposible a la descomposición absoluta de la imagen que nos remite a la paradoja de Aquiles y la tortuga. La repetición de una secuencia cada vez más irreconocible y degradada que nunca llega a desaparecer del todo. La imagen de ese primer beso filmado por Edison allá por el 1896, un beso que nunca se desvanecerá por completo.
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