La competición de cortos de Locarno nunca defrauda, y entre los Pardinos del futuro no podemos dejar de encontrar tanto grandes historias como piezas que tratan de escaparse de las líneas habituales para ensayar modulaciones narrativas que buscan poner a prueba la capacidad de sorpresa del espectador, tentando sus expectativas o empujándolos a terrenos más abiertos, sinuosos y a veces dislocados. Este año sin embargo, el equilibrado balance entre cortometrajes de trazas más corrientes y aquellos más huidizos se saldó del lado de los primeros al imponerse una de las propuestas más lineales, aunque no por ello menos digna de alabanza, que también estuvo acompañada en el reparto de premios por otros trabajos de narrativas claras.
En los códigos del género
En esta última edición del festival suizo la exploración narrativa y formal dejó paso a una vuelta a las líneas rectas, que reunió en su condensada selección de cortometrajes varios trabajos que apostaban por la solidez y claridad expositiva, siendo uno de ellos, Mama, de Davit Pirtskhalava (Georgia, 2015), el que terminaría por llevarse el Pardino de Oro a la mejor obra. En la sólida línea de los cortometrajes sociales facturados en los países del este de Europa, el de Pirtskhalava es un drama familiar en toda regla, que nos presenta a dos jóvenes que viven con su madre divorciada. Ya la secuencia inicial apunta un pequeño trauma no superado gracias a la tensa y fría conversación que mantienen con un padre de visita, con el que hace tiempo que se han cortado las relaciones. Sequedad que contrasta con el momento siguiente, una explosión de afecto y calidez que define la relación que mantienen con su progenitora.
Mama, de Davit Pirtskhalava
Estos dos apuntes sirven para presentar un escenario vital, para marcar el trasfondo de los dos hermanos justo antes de que salgan por la noche a vivir su aventura: robar el radiocasette de un coche. Algo se tuerce cuando el propietario del coche sale en su persecución, empujando la historia a su desenlace final, cuando se enfrentan a la impotencia y el fracaso de un padre ante su hijo, momento que sacude sus conciencias y agita sus traumas.
Narración como se intuye clásica y sin retóricas, directa a la exposición del conflicto, que también marca la línea que sigue el georgiano en su plasmación visual. En definitiva, un corto de los de toda la vida, sólido y muy meditado, que en ningún momento se permite irse por las ramas, pero sin caer en un esquematismo funcional que podría ir en contra de la representación de los sentimientos que lo motivan. Habrá quien lo encuentre demasiado convencional, pero no podrá negar su brillante efectividad en todo momento.
Menos rotundo, sin embargo, es el nuevo trabajo de Pavel Vesnakov, responsable de uno de los grandes cortos del pasado ejercicio, Pride (Bulgaria/Alemania, 2014). Con Zeus se aleja del minimalismo doméstico de su anterior obra para desplegar una gran pericia técnica al servicio de una historia también muy de género, que parte de un nuevo conflicto familiar para desembocar en una road movie trágica con la que el realizador apunta a objetivos más altos. Esta historia del reencuentro de dos hermanos, reunidos tras la muerte de su padre y abocados al desastre, plasma a la perfección lo que Vesnakov puede llegar a hacer en el futuro y que sin duda tiene un hueco ganado dentro del cine europeo de los próximos años, y tal vez por ello se toma este nuevo trabajo como el nexo de unión entre obras más personales y otras más ambiciosas.
El Pardino d’argento correspondió a La impresión de una guerra (Camilo Restrepo. France/Colombia, 2015), documental que recurre a grabaciones propias y otras de diversas fuentes que registra las consecuencias de la guerra encubierta que desde hace años sufre Colombia entre la guerrilla y fuerzas gubernamentales y paramilitares. A través de un collage que parte de las manchas de un periódico defectuoso para desembocar en las no menos borrosas e indefinidas imágenes grabadas por un teléfono móvil por miembros de los paramilitares, Restrepo se abre paso en la cicatriz abierta en su país para facturar un documento al mismo tiempo de denuncia y de creación, que configuran una reflexión lúcida y estremecedora acerca de un secreto a voces y de su presencia en los medios de comunicación.
Trazando la frontera entre este grupo de narraciones diáfanas y las más abiertas se sitúa la Mención Especial del Jurado, Nueva vida (Argentina/Bolivia, 2015), una ficción de estilo documental que adopta un punto distante para, desde el punto de vista de un joven rapero de Buenos Aires, desvelar la intimidad de una pareja que en el edificio de enfrente ha tenido un bebé. El distanciamiento de la cámara no se traduce sin embargo en un distanciamiento en la narración, sino que, al contrario, incorpora un mayor grado de verosimilitud a la liviandad del argumento hasta alcanzar un aire casi impresionista. Talento para la observación revestido de cotidianidad que logra, con unas breves y casi desligadas secuencias, transmitir sensación de veracidad y emoción. Sin duda una de las más bellas sorpresas del festival, que recientemente también conquistó al jurado del concurso de cortometrajes de escuela del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
Otros ejercicios de género más o menos al uso fueron los descafeinados Km. 73 (Radu Ghelbereu. Gran Bretaña/Rumanía, 2015), roadmovie de dos padres en busca de sus hijos, que han sufrido un accidente, y Renaître (Jean-François Ravagnan. Bélgica, 2015), regreso platónico de una joven norafricana que ha emigrado a Europa para reencontrarse/despedirse de su amado; Junilyn Has (Carlo Francisco Manatad. Filipinas, 2015), atractivo y por momentos irónico (aunque bastante dramático en otros aspectos) relato de aprendizaje en el que una madre trata de instruir a sus hijas en malabarismos vaginales que las conviertan en profesionales de night-club; o el único representante español del año, Eco, de Xacio Baño (España, 2015).
Mención aparte merece otro de los títulos fronterizos, I remember nothing (Zia Anger. EE.UU., 2015), que confirma a una interesante creadora americana, con un gran oficio para la creación de imágenes y atmósferas (lo mejor del corto, sin duda), que se lastra sin embargo con una pirueta estilística al colocar a distintas actrices en un mismo papel para transmitir el proceso de confusión de una adolescente que sufre epiléptica. Anger contruye un muy atractivo thriller, pretendidamente confuso, que brilla en ocasiones y se difumina en sombras en otras, pero que en conjunto se sostiene como un trabajo valiente muy disfrutable.
Más allá de lo convencional
Junto a este tipo de cortos más anclados en el género, Locarno ofreció otros que buscaron unos lenguajes menos convencionales, siendo Fils du loup (Francia, 2015), de Lola Quivoron, uno de esos trabajos que se situaron en la frontera, y que se vio recompensado con la Nominación a los Premios del Cine Europeo. Es este un corto narrativo en toda regla, pero con trama breve y tendencias atmosféricas, que apunta en la dirección de la alegoría, al plantear el paralelismo entre un perro guardián y el chaval que tiene que aprender a controlarlo, ambos prisioneros de un trabajo y una actitud violenta que no desean y que va contra sus personalidades. Quivoron construye un film denso que se va enterrando en su propia oscuridad hasta llegar a la comunión entre el animal y el amo, los dos dominados por la misma frustración y tristeza.
La tristeza también preside Des millions de larmes (Natalie Beder. Francia, 2015), película que también se escapa de la clasificación de los géneros, y que plantea una nueva road movie (bastante frecuentes en este Locarno), que comparten un hombre mayor y una joven que ha huido de su casa, en busca de un destino que poco a poco va perdiendo la indeterminación hasta un desenlace sorpresivo en el que se resuelven tanto los conflictos emocionales como los misterios que han ido surgiendo acerca de su pasado.
Fils du loup, de Lola Quivoron
Mejor suerte merecieron dos producciones latinoamericanas, Gulliver (Maria Alché. Argentina, 2015) e História de uma Pena (Leonardo Mouramateus. Brasil, 2015), sendos ejercicios de narrativa inusual que apostaban por dinamitar la lógica de las acciones y la sucesión temporal para explorar de manera más abierta la apatía y desorientación de la juventud: el primero dejándose arrastrar hasta el absurdo tras una fiesta nocturna, y el segundo dinamitando las convenciones de las películas de instituto. Dos ejercicios de libertad y frescura que dejan un buen sabor de boca y reafirman el gran nivel del corto latinoamericano presente en el festival.
Otros dos trabajos estimables, aunque no totalmente redondos fueron Yellow Fieber (Grecia, 2015), en el que Konstantina Kotzamani regresaba a las metáforas de su muy alabado Washingtonia para volver a reflexionar sobre la enfermedad de la crisis de su país, aunque esta vez con algo más de artificio, y el interesante pero irregular Lampedusa (Philip Cartelli, Mariangela Ciccarello. Italia, Francia, EE.UU., 2015), que plantea a partir de metraje encontrado el conflicto internacional surgido en el siglo XIX, cuando la súbita aparición de una isla volcánica frente a las costas italianas desencadenó una disputa entre potencias mundiales por su propiedad. Sugerente y abierto, Lampedusa es un corto más que defendible por su planteamiento y las cuestiones políticas que laten en su interior y lo atractivo de su forma, aunque no consigue satisfacer todas las pretensiones que promete.
El vídeo enlazado en el artículo original ya no está disponible en su plataforma.
Otros premios del palmarés
En cuanto a la sección local, que no pudimos ver entera, el Pardino d’oro fue a parar a Le barrage (Suiza/Estados Unidos, 2015), más que correcto corto de Samuel Grandchamp, que demuestra buen oficio y soltura con la cámara y el montaje puestos al servicio de una historia que peca de esquemática y funcional, la del día que pasan un padre y un hijo camino de una central hidroeléctrica (otra road movie), y cuyo trayecto sirve para mostrar al espectador la enorme barrera que hay entre ellos debido al carácter irascible del padre. Por su parte, el Pardino de Plata fue para la coproducción franco-suiza D’ombres et d’ailes, un gran corto de amimación, sencillo pero muy efectivo, de Eleonora Marinoni y Elice Meng, donde trazan una historia sobre el pensamiento único y la rebeldía ante el poder y la educación autoritarios; y Hausarrest, de Matthias Sahli, mereció una Mención Especial.
Por último, el documental de creación Les monts s’embrasent, de Laura Morales, recibió el premio al nuevo talento suizo. Su corto navega entre el documental arty y el de denuncia, sin compaginar siempre ambos registros, para rescatar del olvido lo vivido por dos hermanos que trabajaron durante los ochenta en una mina de materiales radioactivos en la región de Lozére. Sin ser del todo una obra redonda, con algunas ingenuidades flagrantes, Les monts s’embrasent es un buen trabajo para poner al espectador curioso sobre la pista de una directora que se esfuerza por dotar de un punto de vista poético a su acercamiento a la realidad y el pasado.
Le barrage, de Samuel Grandchamp
Jorge Rivero
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