Había motivos para acercarse al Festival con buena predisposición. No se trata de que hayan mejorado las condiciones para el cortometraje, pues persisten las mismas carencias: ausencia de mediometrajes y presencia insuficiente del corto español. Pero es justo reconocer que DocumentaMadrid está dando pasos en la buena dirección: ahí está la potenciación del Panorama del Documental Español, con dos premios nuevos, aunque estos de momento sólo alcanzan a los largometrajes; y la excelente organización, tanto en su servicio de prensa como en las proyecciones de los cortos, con espléndidos traductores en los coloquios, y proyecciones no ya correctas, sino modélicas.
Ahora bien, la contemplación de la Sección Oficial de Cortometrajes ha resultado un poco preocupante. Una vez más, maticemos. El principal problema no es que la selección 2016 haya resultado claramente floja: el año pasado fue de lo más digna, y estamos seguros de que el próximo año volverá a serlo. Tampoco tiene que ver con la línea excesivamente tradicional que definitivamente ha adoptado el certamen: tradicional no tiene por qué significar malo, y además, ahora en la misma ciudad existe una convocatoria, Filmadrid, que compensa las carencias de Documenta. No, lo preocupante es la blandura de buena parte de los títulos seleccionados. Temas interesantes y prometedores con tratamientos inocuos, acomodados. Y esto sí que parece agudizarse año tras año.
Pero seamos ecuánimes. El apartado que sigue aborda un grupo de títulos que nos pareció poco satisfactorio, pero quede claro que, a continuación, comentaremos diversas obras que sí nos convencieron.
Buenas intenciones, resultados rutinarios
Un cortometraje como My Aleppo de Melissa Langer (EEUU) resulta inofensivo cuando no debería serlo tanto. Una familia siria se instala en Pretoria (Sudáfrica) huyendo de su Guerra Civil, y desde ese exilio forzado recibe noticias cada vez más dantescas de su tierra. Planteamiento prometedor que arroja unos resultados más bien tibios, en los que no hay compromiso político alguno, sino sólo la constatación de obviedades que miran de soslayo al conflicto sirio. El momento en que la mujer declara ante la cámara que las guerras son muy malas provoca sonrojo. Aquí tienen el trailer: es mejor que el corto.
La elección de My Aleppo como Mejor Cortometraje de la Sección Oficial es, a mi modo de ver, una equivocación. La nota del Palmarés habla de ‘entrega’, ‘curiosidad’, ‘potente lenguaje cinematográfico’ (y es obligado consignar que el Jurado no está solo en su apreciación: este corto ya obtuvo el Best Student Documentary en el pasado IDFA de Amsterdam). Yo no veo nada más que una grabación correcta y funcional de unos hechos que pedían, a todas luces, una mayor implicación política, formal y humana por parte de la realizadora. Salvaremos una buena escena: el padre habla por skype con un compañero sirio, y sus esquemas se tambalean cuando este le informa de que unos conocidos suyos, a quien considera personas buenas y honestas, se han enrolado voluntariamente en el ISIS.
La misma falta de criterio y energía tenía lugar en The sniper of Kobani de Reber Dosky (Países Bajos), descafeinada visión de un francotirador kurdo que se enfrenta al Estado Islámico en la célebre batalla, y en la que sólo tienen fuerza, por razones obvias, los planos de la ciudad ruinosa; o en Refugee Blues de Stephan Bookas y Tristan Daws (Francia-UK), poema documental sin garra alrededor de los refugiados de la Jungla de Calais.
My enemy, my brother de Ann Shin (Canadá) partía de una idea magnífica: durante la Guerra Irán-Irak, un iraní salva la vida a un irakí, y muchos años después la música del azar vuelve a cruzar sus caminos y les convierte en amigos de por vida. Pero el tratamiento de esta historia formidable es tan simplonamente buenrrollista (el absurdo de la guerra y la concordia entre los pueblos), y su realización tan propia de televisión de relleno (la reconstrucción del encuentro de ambos en la guerra da vergüenza ajena), que todo se viene abajo. My enemy, my brother podría ser, perfectamente, un documental producido y emitido por Disney Channel.
No es porque haya sido nuestro Corto del Mes de abril, pero me parece evidente que A man returned de Mahdi Fleifel es manifiestamente superior a todos los anteriores. El único que mira las cosas de frente, incita a una verdadera reflexión sobre los hechos que muestra, y dentro de su dureza presenta todo tipo de matices y hasta fugas humorísticas.
A man returned, de Mahdi Fleifel
Explorando la Competición
Y ahora, buenos títulos. El Jurado estuvo más afinado con el Segundo Premio, otorgado a Then Then Then de Daniel Schioler (Canadá). Se trata de un afortunado compendio de archivos sobre la lucha de los derechos civiles en los EEUU entre 1968 y 1972: discursos de Allen Ginsberg y los Panteras Negras, una carga de la policía que origina la creación del término ‘brutalidad policial’, unos religiosos quemando archivos de reclutamiento para la guerra de Vietnam…
El corto vale lo que valen sus archivos, y estos son, en efecto, rotundos y devastadores. Imágenes de notable expresividad, beneficiadas de ese grano crudo y contrastado del 16 mm de la época. Schioler se limita a poco más que montarlos y colocarlos uno detrás de otro, así que su mayor mérito es el de compilador. En cualquier caso, una brillante compilación, a la que hay que añadir una idea soberbia: sobre imágenes de detenciones suena una actuación de la Orquesta de Ray Conniff.
Algo similar sucedió con el corto español Ojo Salvaje, pero de este hablaremos en la próxima entrada, dedicada al corto español y latinoamericano. Como también hablaremos del Premio Especial del Jurado, el sólido Pele de pássaro (Brasil), y el Premio del Público, el muy agradable Yo no soy de aquí (Chile-Dinamarca-Lituania). Adelantamos ya que el nivel global de los documentales españoles y latinos volvió a figurar entre lo más interesante de la competición.
Algo que no puedo decir de las propuestas supuestamente más vanguardistas, que transmitieron cierta sensación de ‘cuota de cosas raras’ en una selección, ya se ha dicho, abiertamente tradicional. Tanto Der bittere apfel von stamm de Hana Kim (Alemania-Corea del Sur) como Schicht de Alex Gerbaulet me parecieron cargantes, pretenciosas, llenas de apuntes demasiado dispersos. Ahora bien, en este caso ambas obras tienen excusa: en ningún momento entendí qué pretendían, adónde querían llegar, y es posible que me falten claves sobre la cultura de Corea del Sur y la historia de Alemania para poder apreciarlas. Puede que los miembros del Jurado sí tuvieran esas claves, ya que concedieron una Mención Especial al título surcoreano.
Explorando el resto de la Sección Oficial, merece la pena destacar al menos dos títulos de corte tradicional. Pero insistimos, que sea tradicional no significa que no pueda ser buen cine. The Shining Star of Losers Everywhere de Mickey Duzyj (Estados Unidos) es una historia extraordinaria. En plena crisis japonesa de finales de siglo, un hipódromo que estaba a punto de cerrar tuvo una idea genial: publicitar a un caballo que no había ganado ninguna de sus 90 carreras, pero que jamás, bajo ningún concepto, había abandonado. El público comenzó a llenar las gradas del hipódromo hasta la bandera, para contemplar y animar a ese animal que simbolizaba el espíritu indomable de un pueblo… En el fondo, como se ve, la misma historia de Rocky.
The Shining Star of Losers Everywhere, de Mickey Duzyj
El tratamiento que recibe el relato es blanco, blanquísimo. Pero el caso es que seduce, interesa y está bien contado, aunque resulte un poco molesto que el principal entrevistado sea el responsable de prensa del hipódromo, en detrimento del dueño del caballo, que digo yo que algo tendría que ver en la decisión del equino de presentarse una y otra vez. Las reconstrucciones son animaciones 2D sencillas y soñadoras, y el caso es que tienen todo el sentido, pues contribuyen en gran medida a crear esa bonita aureola de cuento de hadas con trasfondo social, a lo Frank Capra (que encima hizo un par de películas de carreras de caballos).
El título restante también es blanco y grato de ver, pero en este caso alcanza, por momentos, alturas excepcionales. Nunca mejor dicho: Hopptornet de Axel Danielson y Maximilien Van Aertryck (Suecia) sucede íntegramente sobre el trampolín de 10 metros de altura de una piscina olímpica. Lo único que vemos son las reacciones de todo tipo de personas cuando, ya subidos al trampolín, se asoman para ver el muy pero que muy lejano fondo de la piscina antes de lanzarse. El resultado es una pequeña joya cómica. Los gestos, las miradas, los amagos y retrocesos de estos valientes no tienen desperdicio, y conforman una descacharrante recopilación de reacciones humanísimas ante una situación que se revela menos fácil de lo que aparentaba. Vean el trailer, e intenten adivinar quién es la única persona que salta.
Pero además Hopptornet se descuelga como una propuesta de una riqueza insospechada, ya que la situación se presta a todo tipo de interpretaciones. Aquí va la mía: Hopptornet trata sobre la dificultad de decidir. Muchas veces tenemos que dar un salto que parece peligroso, incluso nefasto, y muchas veces el miedo nos paraliza, pero cuando por fin nos atrevemos a saltar descubrimos que no sólo era posible, sino que resulta profundamente liberador. Hopptornet atrapa ese terrible momento en el que no sabemos si dar o no el salto. Y el caso es que, visto desde fuera, como un espejo en el que reconocemos nuestros miedos, ese terrible momento resulta ser terriblemente divertido.
Continúa
Óscar de Julián
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