Prodigios visuales
Sin perder tiempo. El mejor título de todos los galardonados es, a nuestro juicio, el magnífico Planet Σ de Momoko Seto, que tuvo que conformarse con el Audi Award, galardón escaso para sus méritos. Seto es una animadora afincada en Francia con una asombrosa capacidad para conformar universos turbios, incluso viscosos, y a la vez extrañamente sensuales. Este Planet es el tercero después de Planet A y Planet Z, y en ellos Seto describe planetas repletos de insectos, setas gigantescas, superficies pegajosas y ebulliciones y explosiones continuas. Un espectáculo que violenta y estremece los sentidos y que, por momentos, transmite una sexualidad misteriosa y primitiva. El despertar de los insectos cuando el hielo se derrite, los estampidos de la tierra al resquebrajarse, la superficie del planeta infestada de insectos muertos son algunas de las imágenes más turbadoras que veremos esta temporada.
Parecía casi imposible igualar el virtuosismo de Planet Σ, pero Dissonance lo consigue. El alemán Till Nowak, director del memorable The Centrifuge Brain Project (recuerden esas atracciones temáticas que ejecutaban cabriolas alucinadas, imposibles y finalmente, libertarias), sigue moviéndose en el terreno de la metáfora con este espectacular cuento sobre un pianista que vive en una inmensa bola de edificios que le aisla del resto del mundo, y que no es más que un trasunto de su mente dando vueltas, igual que su piano de teclado circular. Nowak mezcla imagen real y prodigioso 3D para disolver las fronteras entre lo real y lo imaginario, y aunque esta vez no alcanza la rotundidad de The Centrifuge (la técnica, sin duda apabullante, aprisiona de vez en cuando la emoción), sí consigue transmitir el desasosiego del hombre ante su laberinto mental y el poder regenerador de la fantasia. Todo ello le valió a Dissonance la Nominación al Mejor Cortometraje Europeo.
Registros íntimos
En perfecta contraposición con lo anterior, el Palmarés Oficial de Berlín también ha ofrecido relatos intimistas de las más diversas tonalidades. Así, el Oso de Oro fue para el coreano Hosanna de Na Young-Kil, una obra estimable a la que el galardón le venía relativamente grande. La palabra ‘Hosanna’, como se sabe, es un saludo a Jesucristo, pero el título no puede ser más irónico, pues en este caso nadie saluda al redentor ni le agradece sus divinos servicios.
Hosanna, de Na Young-Kil
El protagonista de Hosanna es un joven que resucita a los muertos, pero la resurrección sirve de más bien poco, pues no hay mucha diferencia entre estar vivo o estar muerto cuando se reincide en los mismos errores, en el rencor, la rabia y la desesperación. En el pueblo de Hosanna la resurrección es un hecho demasiado cotidiano, y el resucitador un joven existencialmente roto, consciente de que su don no aporta solución alguna a sus devastados semejantes. Espléndido planteamiento argumental, digno de Nikos Kazantzakis, que no se ve correspondido con una puesta en escena a la altura de las expectativas. Hosanna está realizado con esmero y cierto sentido de la atmósfera, pero más allá de su contenido parece un corto ya visto y contado con anterioridad.
El Oso de Plata, el norteamericano Bad at dancing, es tan modesto como simpático, y desde luego una valiente iniciativa. Su directora, Joanna Arnow, narra la convivencia de tres compañeros de piso, la chica que adopta el papel de fea (la propia Arnow), la que adopta el papel de guapa y el novio de esta última, y utiliza para ello un tono de ‘understatement’ neoyorkino cuyo despojado blanco y negro recuerda inevitablemente a los comienzos de Jim Jarmusch.
Bad at dancing, de Joanna Arnow
La trama tiene su gracia: Arnow intenta introducirse en los juegos sexuales de la pareja, pero el motor de sus actos no parece ser tanto el deseo sexual como el más soberano aburrimiento. A partir de esta sencilla premisa, la actriz-directora pretende dinamitar el arquetipo de amiga fea y acomplejada a través de un tratamiento cercano al post-humor de Lena Dunham o Ricky Gervais, y aunque, insistimos, sus resultados son modestos, es cierto que hay momentos tan provocadores como divertidos, sobre todo aquellos en los que la intimidad doméstica desaparece de un plumazo (Arnow comiendo cereales mientras mira a la pareja follando a menos de veinte centímetros de su cara), y resulta admirable la franqueza con la que Arnow filma las escenas sexuales (incluyendo, a modo de plano final, una masturbación propia).
Fuera de la Sección Oficial, Berlín repartió numerosos premios al cortometraje, sobre todo en la sección Generation, tan abundantes que nos remitimos a la lista publicada por el propio Festival. Finalmente, y en cuanto a los Jurados Independientes, destacamos el Teddy Award (mejor corto de temática gay) obtenido por la obra chilena San Cristóbal, dirigida por Omar Zúñiga en el seno del colectivo Cinestación, el mismo que puso en pie La isla.
No es una cuestión de novedad argumental: San Cristóbal describe la breve y conflictiva historia de amor de dos homosexuales en un intolerante pueblo de pescadores (‘Esto no es Santiago’, dice la madre de uno de ellos). Pero San Cristóbal se viene arriba por la convicción con la que está realizado, en un estilo de cine directo que atrapa estupendamente deseos, riesgos y dudas de los dos amantes, que hace ese deseo, ese riesgo y esa duda físicos, tangibles, y que sabe modular la dignidad de ambos personajes y la incertidumbre hacia el futuro de su relación, especialmente en las secuencias más íntimas entre ambos (la escena de la canción de Yuri; la historia de San Cristóbal en la playa; el final en el barco, mudo pero elocuente).
San Cristóbal, de Omar Zúñiga
