La Semana Internacional de Cine de Valladolid, después de 57 años de actividad, con los consecuentes cambios y transformaciones vividos, es sin duda una de las citas más señeras e imprescindibles del calendario cinematográfico internacional y mantiene un firme compromiso con un cine al mismo tiempo universal y moderno, que sin dejar de lado la experimentación o las mutaciones contemporáneas, acoge fórmulas y dispositivos que apuntan a sentimientos y narraciones cercanas a todos los espectadores. Esta identidad que se aprecia en las secciones de largometrajes, también se extienden a las dedicadas al cine de formato breve; no en vano es uno de los pocos festivales que sigue compaginando en su programa la proyección conjunta de largometrajes y cortometrajes dentro de sus Sección Oficial Internacional. Esto no deja de ser una muestra de cariño hacia el corto que permite que las obras a concurso gocen de un prestigio equivalente al de los largos, y sobre todo, que permite que el espectador contemple unas películas que en otras ocasiones quedarían relegadas a ser una oferta más dentro de un certamen grande.
La selección de trabajos de este año se articuló, como ya es habitual en la SEMINCI en varios apartados, presentando un conjunto equilibrado, en el que la animación atesoró las propuestas más arriesgadas y esquinadas, aunque la ficción aglutinó sin duda las más sólidas. Algo de lo que un palmarés justo y muy poco reprochable dio cuenta premiando la que fue a todas luces la mejor obra presentada, sin (casi) olvidar los méritos de algunas de las películas más interesantes mostradas en esta edición.
SECCIÓN OFICIAL
La Sección Oficial a concurso compuesta en esta edición de 13 obras internacionales, reflejó un predominio en cantidad y calidad de producciones del norte de Europa, siendo obras islandesas, danesas y holandesas las más destacadas, junto a varios trabajos franceses de gran interés.
Útras Reikjavík de Isold Uggadottir
Útras Reikjavík (Revolución Reikiavick ) fue la mejor propuesta de la sección, y así se lo pareció también al jurado internacional formado por el mexicano Jorge Fons, el belga Geoffrey Enthoven y los españoles Judith Colell, Jaume Figueras, Rosa María Sardà e Imanol Uribe, que le concedió la Espiga de Oro, máximo galardón de la sección. Este premio confirma la trayectoria ascendente de la pieza de la islandesa Isold Uggadottir, una de las más prometedoras realizadoras europeas, tras su paso por la Sección Oficial Internacional de Clermont Ferrand de este año. La cinta nos describe, casi en tono documental, con una gran precisión y cercanía, el hundimiento vital de una mujer madura, madre y abuela independiente, trabajadora desde hace años de una entidad bancaria, que se ve arrastrada al desempleo como consecuencia del hundimiento de la economía islandesa. Una circunstancia inconcebible para ella que le estalla en plena cara bloqueándola, sumiéndola en un progresivo abandono y una profunda tristeza al tiempo que oculta lo sucedido a su hija, un hecho que hermana esta historia con las de El empleo del tiempo (Laurent Cantet), La vida de nadie (Eduard Cortés) o El adversario (Nicole Garcia). Historia, en definitiva, del trauma producido cuando lo imposible se convierte en realidad que se beneficia de una magnífica interpretación de su protagonista (Lilja Thórisdóttir) y de la sabiduría de su directora a la hora de ajustar la distancia de la cámara a lo que está narrando en cada momento.
La mirada angulosa y descreída hacia unas clases acomodadas europeas resguardadas bajo un falso paraguas de equilibrio, normalidad y seguridad, atraviesan también Tabu, un corto danés dirigido por Bo Mikkelsen (merecedor de la Mención Especial del Jurado) y el francés Le pays qui n’existe pas (El país que ya no existe). Ambos comparten el punto de vista de una joven adolescente retratada en los momentos que deja de ser niña, que se asoma a ciertas verdades de la vida que ponen en tela de juicio la estabilidad familiar que se les planteaba como escenario. En el caso danés, la aparición puntual de un exhibicionista en un parque muestra la inquietud de los padres ante la aparición del sexo en el imaginario y la vida de su hija, diagnosticando los problemas de comunicación y entendimiento que ellos mismos, al borde de la ruptura, arrastran; mientras que el algo más evidente y más monocorde Le pays qui n’existe pas encuadra sobre el falsísimo decorado de Eurodisney el descubrimiento de una infidelidad en el seno familiar, un hecho que derriba la fachada de felicidad (ese país que ha dejado ya de existir) para sustituirla por la resignación de la hipocresía.
Le pays qui n’existe pas de Ceceille Ducroncq
La salida de la gravedad vino de parte de otra producción gala, Je sens le beat qui monte en moi (El ritmo que late en mí, Ceceille Ducroncq), una cinta bebedora de la mejor tradición camp francesa, con alguna que otra mirada de desliz hacia Jaques Demi. Je sens le beat qui monte en moi es una comedia musical de naïf estética mod, llena de alegría y desprejuicio, aunque a decir verdad, no hubiera estado de más pulir el montaje un poquito para condesar lo que ocurre. Con todo, es un corto altamente recomendable por su vitalismo, su melomanía (impecable colocar la mítica “The Snake”, de Al Wilson como quintaesencia de la sensualidad y el furor del northern soul) y su gran sentido del humor, presente desde el mismo planteamiento: el de una mujer que lleva la música dentro, tanto que cualquier melodía la obliga a abandonarse al baile sea cual sea la situación. El jurado valoró todo esto al concederle la Espiga de Plata.
ANIMACIÓN
Las piezas de animación condensaron la parte más experimental de la selección de cortometrajes, tanto en lo narrativo como en la parte técnica, siendo Canadá el país protagonista de este conjunto de films. De todos ellos, Le gran allieurs et le petit ici (El gran allí y el pequeño aquí), de la veterana y siempre sorprendente artista canadiense Michelle Lemieux (ganadora del Oso de Cristal en Berlín en 2003 con Stormy night/Nuit d’orage), que entrega una obra en cuatro partes que indaga las relaciones entre el individuo y su existencia realizada a partir de la técnica de la pantalla de alfileres. También interesante y con una laboriosa técnica se mostró el también canadiense Bydlo, descripción de un padigmático ciclo vital donde interseccionan el hombre y el animal, el esfuerzo del trabajo colectivo y la crueldad de la explotación.
Las otras dos propuestas de animación fueron la divertida y agradecida coproducción franco-canadiense Edmond était un âne (Edmond era un burro), dirigida por Franck Dion, uno de los nombres habituales del corto animado internacional, y la danesa Seven minutes in the Warsaw ghetto (Siete minutos en el ghetto de Varsovia), un corto un tanto decepcionante que no sabe trasladar al guión el mismo talento que en las cuestiones técnicas.
Tabu de Bo Mikkelsen
EN OTRA DIVISIÓN
El resto de los trabajos de la competición oficial promedió entre lo correcto y lo decepcionante. Night shift (Turno de noche), de la neozelandesa Zia Mandiwalla, absorbió ambos calificativos. La película llegaba avalada por las selecciones en Cannes y Clermont-Ferrand, y a la postre resultó ser un corto que sin estar mal, dejaba cierto resquemor por lo que pudiera haber sido, viendo sus logros (buena fotografía, impecables intérpretes, personajes atractivos) desvirtuados por una puesta en escena aséptica y una trama que apenas traspasa el calificativo de anécdota, por mucho que se dejen intuir sus intenciones y su crítica a una sociedad impermeable al sufrimiento y la existencia de los más desfavorecidos que la sustentan desde las sombras de su pobreza.
Del mismo, tampoco termina por convencer el hiperformalismo de Dood van een Schaduw (Muerte de una sombra), corto holandés dirigido por Tom Avermaet, hipertrofiado de efectos de postproducción al servicio de una historia en todo momento demodé. Características que sin embargo no le impidieron lograr el premio EFA Short Film Nominee, con lo que queda designada finalista para los Premios Europeos del Cine.
La representación española en el certamen se limitó a un único trabajo, En plan romántico, esperado trabajo de Peris Romano tras Llámame Párker y Todo lo que sube, que se desliza hacia la comedia sentimental delegando toda su efectividad en la gracia de las réplicas. Por culminar un recorrido completo, esta sección incluyó también el por momentos atractivo Kiruna-Kigali, del croata Gora Kapetanovic y el chipriota-australiano The Palace, sin rubor el más flojo de la cosecha.
