Austria siempre ha sido un país muy destacado dentro del cine experimental y de vanguardia y su presencia en la sección más rupturista de Clermont-Ferrand está casi siempre garantizada con algunas piezas de altísimo nivel. Lo más curioso de este año no es que una de ellas se haya alzado con el máximo galardón de la sección, sino que la que sin duda fue la mejor obra de esta categoría, The exquisite corpus (Peter Tscherkassky. Austria, 2015) se haya ido de vacío del festival. Tal vez a los jurados no les guste a veces premiar a autores ya consagrados, pero eso no quita que The exquisite corpus sea una de las obras mayores del director de Outer Space e Instructions for a light and sound machine, una lúbrica odisea sexual construida sobre un montaje magistral.
El Grand Prix de Labo correspondió a Eden’s Edge (Three Shorts on the Californian Desert), codirigida por los artistas y arquitectos austriacos Gerhard Treml y Leo Calice, un corto que se sitúa en las antípodas del film de su compatriota. Frente al barroquismo apropiacionista de The exquisite corpus, Eden’s edge aboga por el land-art minimalista y el documental de animación, proponiendo en una misma pieza tres historias consecutivas (de un total de 9 que formaban el proyecto original). Todas ellas se construyen sobre un lejano plano cenital animado, que muestra en desaturados tonos grisáceos un paisaje del desierto californiano compuesto por unos pocos elementos que le dan identidad (un círculo chamánico, un tendedero de ropa, una gran sostenible). Las tres historias reflexionan sobre la relación de sus personajes con su entorno, proponiendo distintas, pero similares reflexiones, que abogan por una existencia más sensible con la naturaleza frente a las desviaciones que provoca un modo de vida más urbano.
Eden’s Edge (Three Shorts on the Californian Desert), de Gerhard Treml y Leo Calice
El corto juega en un terreno levemente simbólico, presentando metáforas sutiles y a veces difusas, y procurando que la distancia impuesta por el punto de vista de la cámara ejerza un influjo de abstracción en lo que muestra. Las historias (la primera sobre un descendiente de un indígena americano que encuentra en la recuperación de los ritos ancestrales una solución mejor a su dolencia mental que en los fármacos, la segunda acerca de la dureza que experimenta una mujer a la hora de criar a una hija en una familia con una fuerte carga de presión y violencia, la tercera sobre el esfuerzo y la satisfacción de cultivar de manera ecológica en un terreno casi lunar) terminan por ser sin embargo, también algo abstractas y lejanas al espectador, sin llegar perder en todo caso el encanto hipnótico que transmiten las imágenes y los testimonios.
Francia ocupó tres de los lugares de honor del palmarés de esta sección con tres cortometrajes notorios. En Hotaru, Premio Especial del Jurado, William Laboury se decanta por el cine de género, el de ciencia ficción en concreto, para retorcerlo, descomponerlo y recomponerlo en un collage de imágenes propias y ajenas al servicio de un argumento cuando menos curioso: una adolescente es enviada al espacio a busca de vida inteligente, portando en su cabeza toda la información de la tierra. Hotaru es un trabajo inspirado, que responde a la perfección a las señas de identidad de Labo, la experimentación con códigos narrativos alternativos y el empleo exacerbado de la imaginación.
También resultan muy paradigmáticos de lo que uno puede encontrarse en esta sección el Premio del Público, Ghost cell (Antoine Delacharlery), muy trabajado ensayo sobre lo macro y lo micro de una sociedad, representada como un tejido urbano y orgánico construido con mayas interconectadas y su duplicación en universos paralelos o mundos fantasma; y The reflection of power (Mihai Grecu), viaje turístico y satírico por una Pyongyang monumental, desierta e inundada que se presta a numerosas interpretaciones políticas. Este corto recibió la Mención Especial del Premio Canal+, premio que terminó en las manos del estadounidense Paul Briganti por Greener grass, retrato más manido sobre la superficialidad y la vacuidad de una comunidad de clase media norteamericana, donde sus protagonistas se preocupan fundamentalmente por encajar en la sociedad y responder a los presupuestos de normalidad y felicidad que impone el estándar.
El vídeo enlazado en el artículo original ya no está disponible en su plataforma.
La libertad del cine aminado
Si hay algo que siempre garantiza la satisfacción al asomarse a la programación de Labo, es la animación. Algunas de las piezas de este tipo que se incluyeron en la competición demostraron estar a un altísimo nivel, apuntando cada una de ellas en direcciones inusitadas.
A la ya mencionada Ghost cell cabe añadir Sugar lump, de Ryo Okawara, un joven cineasta japonés que pieza a pieza va camino de convertirse en un referente dentro del cine animado. Misterioso y atractivo, realizado con una técnica sencilla, pero dotado de gran complejidad simbólica, Sugar lump se lanza al terreno de la libre asociación y de la inmersión sin bombona en el subconsciente para contar las pequeñas batallas que libra un chaval en su camino a la adolescencia. Rebeliones diminutas que alcanzan cotas líricas imponentes y están llenas de hallazgos visuales. Parte de estos rasgos son compartidos por Deer flower, de Kangmin Kim (EE.UU., 2015) inquietante y sórdido viaje ritual que emprende un chaval en compañía de sus padres a una granja de ciervos, donde tras beber la sangre que brota de un asta amputada a un animal sufre un viaje místico con final desmitificador.
También mantuvieron un buen nivel The pride of Strahmoor (Einar Baldvin. EE.UU., 2015), donde se dan cita el expresionismo, el lado oscuro del sur americano y una distorsionada influencia del toon Disney de los años 40; el también oscuro, tanto de ambientación como de sentido del humor A coat made dark (Jack O’Shea. Irlanda, 2015) y el ya habitual de esta temporada Teeth (Daniel Gray. EE.UU./Reino Unido/Hungría, 2015).
Sugan lump, de Ryo Okawara
El año de los planos-secuencia
En una sección tan heterogénea y dentro de un marco tan amplio como Clermont-Ferrand es difícil a veces trazar líneas de confluencia o detectar tendencias marcadas, ya que el eclecticismo y el interés por ofrecer una panorámica diversa de la producción mundial del cortometraje, más específicamente dentro de aquel de tintes más vanguardistas como es este caso, no siempre permite agrupar los trabajos por sus puntos en común. Una de esas confluencias que se pudo apreciar este año en Labo fue la presencia de varias obras que trabajaban su estructura a partir del concepto del plano secuencia; en unos casos secuencias breves de plano único, en otros casos cortos construidos enteramente sobre un único plano.
En esta tesitura se encuentran Le park (Randa Maroufi. Francia, 2015) y Gelem (Alon Sahar. Israel, 2015), y a su pericia técnica se le puede contraponer un lastre en lo narrativo, pues ambos pierden por el camino la esencia de lo que quieren transmitir. El primero, una apuesta mucho más estética (a veces hasta casi publicitaria), propone un recorrido por un parque abandonado de Casablanca mientras se oyen las conversaciones de varios grupos de adolescentes de las que se desprende su relación con las nuevas tecnologías y las costumbres occidentales. Más tarde la cámara encontrará a estos jóvenes, congelados en el tiempo mientras la steadycam danza alrededor suyo. El conflicto entre tradición y modernidad, el choque cultural y generacional, la ruptura entre anhelos y frustraciones late de fondo, pero sin llegar a permear el esteticismo que domina la pieza. Gelem por su parte propone la reconstrucción ante la cámara de un soldado al que nunca vemos, del suicidio de otro de los miembros de su destacamento. Con un posicionamiento aparentemente doméstico asistimos a la investigación del suceso tratando de descubrir alguna pista que nos conduzca a lo que sucedió. Posteriormente, una cámara de vigilancia nos muestra en otro plano secuencia lo ocurrido. A pesar de que tiene cierto atractivo, Gelem es un corto un tanto cojo, ya que difumina en exceso a dónde el director quiere llevar al espectador con esta historia.
El italiano Ardeidae, de Daniele Tucci, resulta más acertado a la hora de jugar con la ambigüedad y la desubicación. Este corto muestra una serie de planos secuencia (más cortos que los anteriores), que muestran a un pequeño grupo de turistas chinos (en especial a uno de ellos) en una visita por un paraje de ruinas industriales inundadas cerca de una marisma (presumiblemente veneciana), mientras que la voz en off de una audioguía describe las maravillas de la ciudad de los canales y las góndolas. El contraste entre ambos, y el producido entre los pensamientos del protagonista y el idealismo de la guía turistica, transforman la percepción del espectador, haciéndole imaginar que el film se sitúa en un futuro cercano y postapocalíptico, o que invita a reflexionar sobre la colisión entre lo ideal y lo real, entre lo eterno y lo perecedero, entre lo bello y lo feo… También instalado en la dinámica de los planos secuencia breves, The couple (David White. Nueva Zelanda, 2015) se decanta por el falso documental para proponer una suerte de plano-contraplano entre un matrimonio que sufre una brecha en su relación como consecuencia del cáncer de testículos que ha padecido el hombre. The couple funciona y es entretenido, incluso sus personajes son de alguna manera simpáticos, pero sin poder llegar mucho más lejos.
Y un híbrido entre ambas utilizaciones del plano secuencia (primero planos cortos y al final un larguísimo travelling) es A smile in the back of my head (John Angus Stewart. Australia, 2015), retrato de un voluntario que realiza labores de mantenimiento en una iglesia evangelista y que se dirime en su fuero interno entre la piedad y el odio hacia los demás.
No todo es tan experimental
A pesar de que se vincula Labo al cine de vanguardia, lo cierto que es que la concepción de los programadores sobre lo que cabe en este continente es mucho más abierta y no siempre pasa por apuestas formales radicales. A veces simplemente soluciones narrativas o temáticas que se escapen de la norma son suficientes para que un corto pueda terminar en esta sección, teniendo formulaciones aceptables por todo tipo de públicos.
Así, encontramos en Labo el documental Camrex, donde el británico Mark Chapman recurre a la depuración observacional para poner imágenes a las dramáticas historias de los inquilinos de un albergue para personas sin hogar; el también británico The atom station (Nick Jordan), que navega entre la poesía y el compromiso, entre lo post-industrial y lo natural, en su personal viaje por Islandia, la tragicómica ficción filipina Junilyn Has (Carlo Francisco Manatad), que cuenta cómo una madre instruye a sus hijas en una pericia sexual para fascinar a los turistas durante el parón forzoso en los cabarets locales impuesto por las autoridades debido a una visita del Papa al país; o Symbolic threats (Matthias Wermke. Alemania, 2015), maravilloso documental construido a partir de noticiarios y programas de televisión estadounidenses que reaccionan a una misteriosa y simbólica intervención realizada por un grupo anónimo de activistas/artistas que han blanqueado la bandera nacional que ondea sobre el puente de Brooklyn, y que es una de las grandes piezas que acogió este año el festival.
Jorge Rivero
« |
1 |
2 |
»
