De todos los festivales que se integran en ese macro evento al que llamamos Cannes, la Quincena de los Realizadores puede pasar a veces injustamente un poco desapercibida, a pesar de ser uno de los espacios más abiertos y sorprendentes de la cita gala. La Quincena está organizada por el Sindicato Francés de Directores desde 1969 y se preocupa, sobre todo, por dar a conocer a nuevos autores que demuestran una personalidad fílmica propia y descubrir nuevas facetas artísticas tanto en talentos emergentes como en cineastas consagrados.
En lo que concierne a los cortometrajes en 2016, la Quincena de los Realizadores ha sabido cumplir generosamente con sus estatutos, confeccionando un programa de piezas que en su conjunto estuvo muy por encima de los que presentaron tanto la Sección Oficial como la Semana de la Crítica. Con más o menos riesgo, con mayor o menor capacidad de sorpresa e innovación, no cabe duda que los 11 cortometrajes seleccionados este año son en su gran mayoría obras incontestables y lo suficiente diferentes entre sí para poder hablar de un surtido rico en matices y abierto a mostrar al espectador distintas tensiones narrativas.
Narrativas concretas
Chasse Royale, de Lise Akoka y Romane Gueret
Frente a títulos más arriesgados en lo formal y en lo temático, el corto francés Chasse Royale, primer trabajo de la pareja de directoras formada por Lise Akoka y Romane Gueret, se impuso luciendo armas propias y reivindicándose a sí mismo con poderío y seguridad. No vamos a cuestionar en esta ocasión el merecimiento o no del galardón; por supuesto que había más opciones, pero en todo caso no hay mucho que objetar en esta decisión, pues estamos ante un corto sencillamente espléndido.
Basándose en la experiencia de Lise Akoka como directora de casting y coacher de niños para el cine, Chasse Royale trata sobre una chica de 13 de años con una fuerte personalidad y mucha rabia acumulada. No es para menos, pues es la hermana mayor de una familia desestructurada que vive en un deprimido suburbio de Valenciennes, y a menudo tiene que hacerse cargo de responsabilidades que exceden a las de su edad. Toda esa frustración la gestiona haciéndose cada vez más dura y conflictiva, y es ese enfado con el mundo lo que llama la atención de dos directoras de casting que buscan una chica como ella para una película. Esta oferta es un revulsivo para ella y para toda la familia, pues se abren oportunidades y esperanzas que en el fondo la chica trata de no creerse del todo.
Si bien la historia es bastante lineal y directa, sin apenas artificios ni excesivos quiebros argumentales (que por otra parte, el corto no necesita), Akoka y Gueret articulan su puesta en escena con nervio y convicción, amparadas por un gran trabajo de cámara y sobre todo por unas actuaciones de lo más destacables, en concreto la especial química que emerge entre la rocosa protagonista y su más sensible y soñador hermano pequeño. Todo esto hace que la casi media hora que dura Chasse Royale pase en un suspiro y deje al final la gratificante sensación de haber disfrutado de un corto sin fisuras, lleno de aciertos, aunque sin grandes sorpresas, y bien facturado en todo los términos de la expresión.
Zvir, de Miroslav Sikavica
La Mención Especial del Jurado fue para Zvir (Croacia, 2016), segundo cortometraje de Miroslav Sikavica, otra historia de infancias truncadas, que tiene como eje central la relación entre un niño y su padre, operario de una retroscavadora que tiene que enfrentarse a un duro encargo: proceder al derribo de una casa cuyos propietarios han sido desahuciados por un (aparente) fondo buitre que desea especular con el terreno por sus posibilidades turísticas.
Sikavica no elude el trasfondo de drama social que nutre Zvir y tampoco deja de aprovechar para lanzar una crítica a la voracidad insensible del capitalismo, y también aportar alguna pincelada del aún latente conflicto identitario de los habitantes de Croacia. Pero deja que todo esto sea sólo un telón de fondo, visible pero no prominente, para desarrollar con sutiles pinceladas la relación entre el padre y el hijo. De hecho, el suceso central del derribo de la casa, queda eludido en las imágenes, ya que no es lo importante, sólo un detonante para el cambio de actitud de sus protagonistas. Miradas y silencios, reproches e incomodidad, tiempos muertos que están lejos de ser gratuitos, suponen la esencia de un cortometraje que si bien no es para nada complejo, sí que pide al espectador que se fije más en los detalles que en los sucesos más ruidosos.
Al igual que lo anteriores ejemplos, Hitchhiker (Jéro Yun. Corea del Sur, 2016), Kindil (Damien Ounouri. Argelia, 2016), The daughter of the bride (Tamar Rudoy. Israel, 2016) mostraron su apego por modos de narrar más o menos diáfanos, llamando más la atención por la singularidad de sus historias y una estructura eficaz, que por los esfuerzos formales, con resultados más o menos parejos: tres historias imaginativas y bien conducidas (sobre un huraño autosestopista detenido como supuesto espía; sobre una mujer acosada en una playa hasta la muerte que regresa convertida en una vengativa sirena; sobre una cantante de death metal israelí que deja atrás parte de su atuendo y personalidad para asistir a la boda de su madre, respectivamente) que transitan por la corrección sin dejar un especial poso en el espectador, ya que, cada una por sus motivos, los realizadores no terminan de extraerle todo el partido al potencial del material que tienen entre manos.
Narrativas difusas
Las sorpresas, al menos en cuanto a lo formal, vinieron en buena parte de un buen trío de cortometrajes a cual mejor. El más disperso e irregular resultó ser Abigail (Isabel Penoni y Valentina Homem. Brasil, 2016), único documental de la selección. A partir del retrato de su protagonista y la casa casi en ruinas en que habita, teje a su manera un esforzado discurso que relaciona él desvanecimiento de la memoria, el ocaso vital y la desaparición de la cultura de los pueblo indígenas del Amazonas. Si bien la metáfora de la casa en ruinas como símbolo del olvido y de la degeneración física y moral no es nuevo, hay que reconocer que no deja de funcionar correctamente en Abigail, y que Isabel Penoni y Valentina Homem son capaces de entregarnos algunos hallazgos sugerentes. Entre ellos la función de las religiones animistas y el voodoo como elemento vertebrador de la historia de su anciana protagonista, que desemboca en una auténtica sesión de espiritismo con la que más que ponerse en contacto con los espíritus del más allá, parece que trata de aferrarse a sus recuerdos. Además, las condiciones de antropóloga y de videoartista de sus realizadoras se hacen permeables en el corto, enriqueciéndolo hasta llevarlo con tino a terrenos tan extraños y como sombríos.
Un despojamiento extremo que llega al minimalismo, preside el muy interesante Import (Ena Sendijarević. Países Bajos, 2016), nuevo cortometraje de la directora de Reizigers in de nacht. Sendijarević, de origen bosnio, se refugia en una historia del pasado reciente con numerosas concomitancias con los momentos actuales; bastaría sólo con cambiar las nacionalidades de los personajes. Estos son los integrantes de una familia de bosnios, que en la década de los noventa encuentran refugio en Holanda debido a la guerra que se libra en su país. Pero si lo que cuenta es ya de por sí relevante, lo más sobresaliente del film es cómo lo cuenta su directora. Import se fragmenta en tres historia paralelas que muestran los distintos estados de ánimo y situaciones concretas que sufren los miembros de esta familia: el abatido padre que intenta colocar una antena parabólica para estar conectado con la actualidad de su país de origen, la madre que comienza a trabajar como limpiadora en una residencia de ancianos y las dos hijas que comienzan el colegio y tratan de encajar con los demás niños, sin haber aún podido asimilar su nueva condición de expatriadas. Un ejercicio brillante donde Sendijarević hace un inteligente uso de la contención, en montaje y la elipsis.
El vídeo enlazado en el artículo original ya no está disponible en su plataforma.
Y todavía un paso más allá va Léthé (Dea Kulumbegashvili. Croacia/Francia, 2016), una injusta ausencia en el palmarés. En su segundo trabajo (el anterior, Invsible spaces, ya compitió por la Palma de Oro en 2014) Kulumbegashvili toma prestado algo de Bela Tarr para describir un mundo onírico y casi atemporal, donde los adultos se abandonan a la celebración mientras los niños dejan atrás su inocencia con el descubrimiento de la violencia y los ancianos deambulan por una lúcida locura sin que apenas nadie preste atención a sus trasnochadas historias. Un deslumbrante blanco y negro y unos aún más deslumbrantes planos-secuencia, junto a su inquietante y liviana (aunque profunda) narración, lo convierten en la mayor sorpresa de los cortos de Cannes 2016.
Narraciones sintéticas
Para terminar, dediquemos unas palabras a un último trío de cortos, las tres estupendas animaciones que estuvieron presentes en esta selección. De Decorado (Alnerto Vázquez. España/Francia, 2016), corto del mes en esta publicación, no añadiremos más, y remitiremos al lector a lo ya publicado.
Por su parte, Listening to Beethoven, del veterano animador ruso Garry Bardin, compone una pequeña sinfonía visual al son de unos extractos del célebre compositor alemán, que llega a ser toda una alegoría sobre el fascismo y la libertad. Esta última es la condición natural del hombre y como tal está representada por una plantas que crecen entre los adoquines de la gris ciudad, aportando vida, color y frescura al escenario. Frente a estas, un ejército mecánico y también gris de martillos, segadoras y camiones de basura se esfuerza por aniquilar cualquier brote de rebeldía. Pero todo es inútil: a la fuerza del fascismo se opone la del pueblo, y cuanta más represión se le aplique, mayor será su respuesta y su deseo de liberación.
Listening to Beethoven, de Garry Bardin
El discurso no deja de ser un poco naïf y la estética tiene ese aire retro que lo acerca a la stop motion clásica de los países del este de Europa, pero con todo, Listening to Beethoven tiene su encanto y será un cortometraje que a buen seguro funcionará especialmente bien entre el público infantil y juvenil, pues hacia ellos va dirigido en buena medida.
Queda para el final Happy end (Jan Saska. República Checa, 2016), aunque no por falta de méritos. En apenas 6 minutos, y con un estilo de animación basado en el dibujo de línea clara en blanco y negro, junto con algunos detalles de acuarela, Saska nos ofrece un divertido relato en forma retrospectiva (comienza por el epílogo y de ahí vamos para atrás) acerca de cómo ha acabado un hombre en el hospital, en realidad un muerto que se resiste a la muerte, o que no termina nunca de encontrar el descanso definitivo… Happy end muestra un cúmulo de despropósitos, excesos etílicos, irresponsabilidades y evasiones de la responsabilidad, que con su descacharrante concatenación no pueden evitar arrancar la sonrisa del espectador.
