Poco riesgo e innovación. Este puede ser el resumen general que define la Competición Oficial de cortometrajes de Cannes 2016, que alojó una decena de obras en su mayoría inspiradas, pero que no llegan en todos los casos a alcanzar la brillantez que puede exigírsele a un festival de esta talla y con una selección tan exclusiva. Cannes no suele caracterizarse, sobre todo en esta categoría, por apuestas a contracorriente, sino por un cine eminentemente narrativo que busca cineastas con una voz propia que en años venideros puedan marcar el devenir del cine más o menos autoral en el futuro. En este sentido, se puede decir que se cumplieron las expectativas, y aunque no siempre es de rigor obsesionarse con recopilar obras maestras indiscutibles, sino por buscar una línea de programación coherente y esmerada, también cabe pedir al festival un poco más de frescura y solidez.
Los cortometrajes seleccionados este año son todos solventes y con un mínimo de calidad exigible, historias atractivas contadas de una forma asequible y que tensaban en muchos casos las cuerdas de los géneros, pero también por término medio bastante esquemáticas, con pocos quiebros narrativos y mucha frontalidad. No es que esto en sí mismo sea censurable; lo único es que, dentro de esa coherencia mencionada, presentan poca variedad conceptual, apostando más por la saliencia de las historias que transmiten que por fórmulas expresivas sorprendentes o renovadoras.
Timecode, de Juanjo Giménez Peña
La ficción encima de todo
Dicho esto, se entiende bien que los dos premios de la categoría hayan ido a parar a las dos películas que más se esforzaron por darle una vuelta al lenguaje, bien sea por la exploración en el dispositivo narrativo que proponía la ya comentada Palma de Oro Timecode, del español Juanjo Giménez Peña, fiando parte de su narrativa al juego de pantallas y cámaras de seguridad y las capacidades expresivas de la danza como lenguaje liberador; bien por la evolución que desde un posicionamiento cercano al documental va a desembocar en el cine fantástico de la Mención Especial del Jurado A moça que dançou com o diablo, del brasileño João Paulo Miranda María.
Tras la crítica al corto y el estudio que le hemos dedicado a su director, no añadiremos más aquí sobre Timecode. Por su parte, A moça que… fue también un premio bien merecido, sobre todo por su condición de obra híbrida, donde el retrato social, la contraposición entre superstición y deseo, la cohabitación de lo cotidiano con lo extraordinario y, sobre todo, la ironía que bucea desde el inicio en su desarrollo para emerger a un primer plano en su desenlace, la convierten en una pieza muy defendible, a pesar de la tremenda sencillez de su puesta en escena.
Sin desvelar mucho más de su argumento (estamos ante uno de esos cortos con sorpresa final), diremos que el corto de Miranda María es la historia de una joven crecida en el seno de una familia ultrarreligiosa que, agobiada por la presión familiar y con una duda creciente sobre sus convicciones, decide abandonar su casa una noche para dejarse seducir por las tentaciones del pecado, es decir, del deseo. Miranda María, seleccionado el pasado año con su corto Command action para la Semana de la Crítica, cumple con las expectativas este año, situando su nueva pieza en el palmarés de la competencia oficial.
En una selección donde el realismo predominó ampliamente, la cuota de fantasía en la que militaban los cortos anteriores se cerró con el muy agradecido 4:15 P.M. Sfarsitul lumii, aproximación a la comedia orquestada por Catalin Rotaru y Gabi Virginia Sarga (Rumanía, 2015), que introducen un sordo sarcasmo en las señas de identidad del nuevo cine rumano: planos extensos, actuaciones comedidas, conversaciones lánguidas, gravedad de tono, dramatismo drástico, economía de medios… Sin muchas florituras, 4:15 P.M…. se va balanceando entre la farsa y la tragedia tomando como base el esquema típico de una road-movie, donde un conductor recoge a un autoestopista, comenzando una relación que hará aflorar sus secretos y traumas. La principal novedad es que aquí todo se bascula hacia el disparate cuando el hombre recogido afirma ser Jesucristo y que en unos minutos comenzará el apocalipsis. El planteamiento argumental es tan intrigante como difícil de sostener; todo hace pensar que las realizadoras se han metido en un jardín del que saldrán con dificultad, pero lo cierto es que solventan el trago con ingenio y evitan el desastre. Es por tanto, un corto agradable, triste y divertido por momentos; nuevamente, tremendamente sencillo y fiado a los intérpretes, pero agradable de ver para cualquier tipo de público.
En los bordes del género
El cine de género fue el absoluto protagonista de estos diez cortos, y ya entrando en terrenos algo más realistas, tanto Fight on a swedish beach (Simon Vahlne. Suecia, 2016) como Dreamlands (Sara Dunlop. Reino Unido, 2016) buscaron las tangencias, cada uno en el suyo propio. De forma aún más extrema que en otros, Fight on a swedish beach buscó maridar ficción y documental para componer un curioso retrato de la sociedad sueca y su idiosincrasia nacional, partiendo de la pintura de un corriente de playa. Vahlne terminó entregando uno de los cortos más arriesgados del grupo, y también, o tal vez por ello, de los más irregulares; aunque se le agradece su valentía. Entre el costumbrismo y la comedia, esboza la brecha generacional existente entre una generación adulta, educada, sobria y defensora de la corrección política y comportamental, y una juventud descreída, provocadora, alejada de los valores de sumisión a la norma y también algo desmotivada. Este conflicto termina por estallar cuando uno de los jóvenes, gamberros y borrachos todos ellos, se lía a golpes con un hombre que asegura que ha llamado puta a su mujer. Interesante e imperfecto, pero en todo caso, estimulante y con algo de frescura.
Más consabida es la propuesta formal de Dunlop, que muestra sin embargo unas grandes dotes técnicas, y que perpetra igualmente un retrato de una juventud descarriada, aburrida y desmotivada, que busca en las drogas y en el sexo grupal los estímulos que les salve de la apatía. No está exenta la historia de un leve planteamiento moral, pues la dureza de la transgresión que pretenden aparentar estos jóvenes no es suficiente para evitarles el dolor sentimental, la angustia juvenil y la falta de afecto.
4:15 P.M. Sfarsitul Lumii, de Catalin Rotaru y Gabi Virginia
Dejamos para el final los cortometrajes más vinculados con el realismo social, otra de las cuotas que no podían faltar en el certamen francés. La menos arraigada en este género es La laine sur le dos, coproducción turco-francesa dirigida por Lotfi Achour, que se decanta por el drama picaresco. Un poco rígida y demasiado pegada al clasicismo, no deja de ser una historia efectiva y efectista sobre un anciano pastor y su nieto, que son asaltados por una pareja de policías corruptos en pleno desierto. Se trata de un cuento realista en toda regla, con su punto de comedia y su punto de tragedia. Eficaz, pero muy de libro.
Sin poder decir nada del francés Après Suzanne, de Féliz Moati, al no poder verlo, los otros tres trabajos restantes comparten además de su compromiso social, su carácter de retrato. Se hubiera agradecido un poco más de desarrollo en todos ellos, en tanto que son obras arraigadas en lo narrativo, y que muestran historias duras y poderosas, pero terminan prefiriendo dejar a cuenta del espectador las evoluciones dramáticas de sus protagonistas (todas mujeres) y las consecuencias de sus acciones y decisiones. Hay algo de acierto en esto, prefiriendo el perfil minimalista que el detalle barroco, dando espacio al espectador a completar los huecos, pero, insisto, en algunos casos podríamos pedir algo más de elaboración en las tramas.
Imago es tal vez la que adolece de mayor esquematismo y el de un argumento más brutal. El filipino Raymund Ribay, producido aquí por Brillante Mendoza, se abandona al retrato nocturno de una mujer madura, madre de una hija discapacitada intelectualmente y residente en un arrabal de chabolas, que se gana la vida enterrando ilegalmente fetos de niños nacidos muertos prematuramente. Sin duda, el espectador queda seducido por el personaje, y Ribay dota de cierta tensión a la descripción que de él y de su viaje por la húmeda, calurosa y policialmente saturada Manila hace. Es una pena que al final se quede sólo en el esbozo y a él no le siga apenas una peripecia.
El vídeo enlazado en el artículo original ya no está disponible en su plataforma.
Más trabajado en cuanto a desarrollo argumental es Il silenzo (Ali Asgari. Italia, 2016), aunque la historia sea demasiado sencilla y en cierto modo previsible. Estamos aquí ante un corto de narrativa clásica, con un conflicto claro y bien expuesto, y rodado con los modos del moderno cine europeo. Una madre kurda acude al médico con su hija, que hace de intérprete. La doctora le informa de que la madre tiene un grave cáncer, y la niña se ve incapaz de decírselo a su madre. Una vez más, recurriremos a calificar el corto como más que correcto, muy digno, ciertamente emotivo y muy disfrutable para el público, aunque presente pocas novedades que lo hagan del todo especial.
Madre (Colombia/Suecia, 2016) levantaba muchas expectativas, ya que se trataba del regreso a la primera línea de Simón Mesa Soto, después de haberse alzado con la Palma de Oro de 2014 con el soberbio Leidi. Mesa Soto no llega sin embargo con Madre a las excelencias de su anterior obra, y, como en el caso de los anteriores, se decanta por un retrato sencillo de un personaje en una situación límite: una adolescente que se decide a entrar en el negocio de la pornografía para salir de la pobreza y disfrutar de ciertos lujos. El mayor acierto del colombiano no está sin embargo en lo que muestra, sino en el uso de la elipsis. En este sentido dejar a la imaginación del espectador el encuentro sexual y el saber si la chica ha pasado la prueba o no, y pensar más en las consecuencias psicológicas de la situación, que se proyectan sobre la secuencia final, hacen que el corto gane enteros por momentos. Las pocas secuencias que componen Madre aportan los datos justos para que sea el espectador sea capaz de rellenar las lagunas de su fragmentada estructura con la imaginación, pero estas secuencias caen a menudo en el convencionalismo, y esto es lo que al final lastra un poco el resultado. Madre no deja del todo un mal sabor de boca, sobre todo porque se aprecia que el despojamiento y la política de mínimos es algo intencionado, pero le falta un punto de garra que extraiga el potencial dramático que la historia y su protagonista indudablemente poseen.
Jorge Rivero
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