Probablemente, el gran triunvirato de los Festivales europeos que consagra su programación al Cortometraje Internacional en toda su extensión (ficción, animación, documental y otras obras libres de etiquetas) está constituido por Clermont-Ferrand, Tampere y Vila do Conde. Y aunque todos ellos son fastuosas celebraciones del corto mundial, también hay matices diferenciales: Clermont es, sin duda, el Centro y el Gran Mercado; Tampere es el más revuelto, el más inquieto y festivo; y Vila do Conde, como su epónimo indica, es el más nobiliario, el más consciente de su linaje, de su respetabilidad cultural.
Buenos días resistencia de Adrián Orr
A continuación, y tomando como punto de partida el Palmarés, comentamos ciertas tendencias que nos llamaron peculiarmente la atención en Vila do Conde: el triunfo rotundo de España y, sobre todo, Portugal; la consolidación de cierto tipo de cortos codificados y reconocibles; y, muy especialmente, la aparición de numerosos Grandes Nombres del cortometraje en la Sección Oficial. Popes ilustres que presentaron, como se verá, más de un título memorable.
Portugal y España a la cabeza
Sorpresa. El máximo galardón, el Gran Premio Cidade Vila do Conde, fue a parar a una coproducción italo-portuguesa, Carosello de Jorge Quintela. La última vez que un corto portugués conquistó el Gran Premio fue hace cinco años, cuando lo logró Joao Nicolau por el notable Rapace (curiosamente, Nicolau ha participado en esta edición con su nueva pieza, Gambozinos, aunque ha tenido que contentarse con una Mención Especial).
Que nadie piense que es una cuestión de chauvinismo. Carosello es una miniatura absolutamente deliciosa. Un viaje alucinante al fondo de la mente a partir de un único y precioso plano fijo. Este:
En efecto, la única imagen de Carosello es la de un hombre de mediana edad, del que sólo vemos sus gafas y su amargura, reflejadas en un carrusel que nunca deja de dar vueltas. Como su compulsivo pensamiento, expuesto a través de una voz interior, delicada y quejumbrosa, que vuelve una y otra vez a los mismos motivos de su frustración. Una voz que parte de un texto bellísimo y sencillamente prodigioso, acompañada de una tonadilla de fondo que resuena como esas canciones que anidan en nuestra cabeza y nos martillean durante días y días.
Carosello no sólo es un magnífico retrato de un hombre vencido, sino una de las películas que mejor ha sabido mostrar el funcionamiento y el ritmo de la mente humana, siempre amalgamada con la emoción, la obsesión y el dolor. Pero no hablemos más de este corto hipnótico. Ahora no. Al comienzo de la temporada le dedicaremos un artículo extenso.
Evidentemente, al lado de Carosello, el Mejor Corto Portugués quedaba deslucido. Pero no sería justo despachar Rei Inútil de Telmo Churro con un par de líneas, ya que es una obra francamente estimable. Cuenta la historia, o más bien el estado de ánimo, de un adolescente en ese momento crítico en el que quedan dos asignaturas para terminar la secundaria. El momento en que los adolescentes se preguntan si todo el esfuerzo de años ha valido la pena, si serán capaces de estar a la altura de sus expectativas, si van en la dirección correcta, si todo esto tiene algún puto sentido.
Rei Inútil recuerda bastante a ese cine indie de personajes que parecen sufrir de anemia de cariño, de Sofia Coppola a Wes Anderson, tanto en su tono lánguido como en su sentido del humor distante. Y aunque el chico se relaciona con una chica, con su madre, con un profesor… los mejores momentos de Rei Inútil son aquellos en los que el chico se encuentra consigo mismo: como cuando va a la Iglesia y le ruega a Dios que apruebe las dos asignaturas, de modo que él se responde a sí mismo reproduciendo la voz de Dios, provocando así la perplejidad de la organista; o cuando se encuentra con el fantasma de un rey derrocado, tan pobre hombre como él; o esos instantes, tan amargos como divertidos, en los que el chico contempla efigies de Hombres Trascendentes, comparando la grandeza de estos con su aspecto más bien mediocrillo, siempre cubierto con su capucha para la lluvia… A todo ello hay que añadir unos planos espléndidamente compuestos: un mundo proporcionado, armónico, ordenado, en el que este pobre diablo se siente totalmente fuera de lugar.
Y el Mejor Documental ha correspondido a un título español que ya conocen todos los lectores de Cortosfera: Buenos días resistencia de Adrián Orr, sin duda uno de los mayores logros del documental observacional español en los últimos años, con esa historia en la que la cámara recoge, literalmente, el despertar de un trío de niños ingobernables en su propio dormitorio, dando paso a una confrontación mañanera padre-hijos que, tal y como está rodada, alcanza resonancias épicas. Después de su participación en el BAFICI argentino, este Premio consolida definitivamente la obra de Orr en el panorama internacional.
Los cortos de siempre
Aunque Vila do Conde siempre ha tenido cierta fama de vocación vanguardista (y aquí dejamos constancia del Premio al Mejor Experimental, el indio I am Micro de Shai Heredia y Shumona Goel, que no pudimos ver) , a la hora de la verdad, en sus filas podemos encontrar títulos que respetan, al milímetro, los códigos narrativos y formales habituales. Es el caso del Premio del Público de este año, Penny Dreadful, que ya fue Premio del Público en Clermont. En su momento ya comentamos este corto del estadounidense Shane Atkinson, y aventuramos que iba a recibir numerosos premios del público (no era talento profético, es que siempre pasa lo mismo con los Prix du Publique de Clermont) y, como se ve, la cosa empieza a cumplirse. No es de extrañar, con un corto sobre un pobre hombre que se ve obligado a secuestrar a una niña… y se equivoca de niña, y la niña secuestrada es bastante terrible. Sólo entretenimiento, pero entretenimiento que funciona como un reloj y atrapa a una audiencia dispuesta a dejarse atrapar.
La misma sensación de buen corto codificado sobrevino con el Premio a la Mejor Ficción: Lágy eso del húngaro Dénes Nagy. Su trama es de las que se repiten constantemente en los festivales de prestigio, como si la misma fuera, de por sí, un marchamo de calidad: un adolescente de entorno familiar conflictivo se enamora de una adolescente que ha crecido en un entorno más normalizado, pero la agresividad del chico, interior y exterior, echa al traste cualquier posible relación entre ambos. Habremos visto esta película innumerables veces: un tono frío y cortante, con los pies en la tierra; unos protagonistas bien elegidos, expresivos y fotogénicos; una adecuada descripción de los ambientes, con apariencia de espontaneidad, cámara en mano; una escena, siempre estupenda, de encuentro / desencuentro entre los dos adolescentes. Todo está bien. Nada especial.
El vídeo enlazado en el artículo original ya no está disponible en su plataforma.
En fin, ante cortos como Penny Dreadful o Lagy Eso el espectador tiene tres opciones: o los rechaza, pues considera que su contenido y su forma son encajonados, repetitivos; o los disfruta, pues se trata de la misma película, los mismos códigos que desea ver una y otra vez; o indaga en ellos, tratando de descubrir los matices que le dan su propia personalidad. Sea como sea,
eso ya es cuestión de cada uno.
Una edición de Grandes Nombres
Directores y productores de renombre cuya obra corta es reverenciada en todas partes. En muchos casos, viven de hacer exclusivamente cortometrajes. Arrasan allá donde se proyectan sus trabajos. Y nadie discute su autoproclamada etiqueta de Artistas con mayúsculas: Theodore Ushev, Nicolas Provost, Christoph Girardet y Matthias Müller, Bill Morrison, Chris Landreth… Que su última obra sea, realmente, una obra excepcional, es otro cantar, pues las obras de arte no se programan, y ya se sabe que la respetabilidad cultural puede llegar a ser bastante nociva para la creatividad. Pero sí es cierto que todos ellos, en un pasado próximo, nos han proporcionado momentos subyugantes, nos han dado razones para dedicarnos a esto, escribir sobre esto, amar el cortometraje.
Alguno de ellos parecía presentarse como un estreno absoluto, como es el caso de Cut de Christoph Girardet y Matthias Müller, que obtuvo la Nominación de este Festival para la Academia del Cine Europeo (EFA). Girardet y Müller, dos maestros del tratamiento de la luz en el cine, revolucionaron el found footage con joyas como Play. En vez de describirles la labor de este dúo genial, les invitamos a que vean el siguiente video:
La mayoría de estos cortos ya habían podido verse en otros certámenes de primera línea. Es el caso del maestro Bill Morrison, que no sólo presentó Just ancient Loops, como ya había hecho en el Labo de Clermont, sino que fue objeto de una Retrospectiva de lo mejor de su obra y protagonizó una Masterclass. O del perturbador Nicolas Provost, que presentó la última parte de su Trilogía Plot Point, Tokyo Giants, ya presente en Rotterdam.
O Chris Landreth, algo así como el Francis Bacon – Todd Solondz – Paul Thomas Anderson del cortometraje (en fin, una personalidad indefinible), célebre por sus memorables Ryan y The spine. Landreth hizo acto de presencia con Subconscious Password: nada menos que el Primer Premio de este año en la cuna de la Animación, el Crystal de Annecy. No es para menos. Subconscious Password es una animación virtuosa, retorcida y sardónica en la que, partiendo de las dificultades que todos tenemos en un momento dado para recordar el nombre de alguien, se produce un viaje alucinante al fondo de la mente (sí, Carosello no fue el único). Una mente, eso sí, paranoica y muy muy norteamericana. Vean, si no, el espasmódico trailer:
Como es habitual en Landreth, Subconscious está producido por la todopoderosa National Film Board of Canada (NFB), cuyo liderazgo mundial en la animación breve sólo puede ser mínimamente contestado por el gigante francés Autour de Minuit. Y aunque esta producción de la NFB no se llevó ningún galardón, sí lo hizo otra producción suya, ya presentada en el mismo Annecy, y cuyo responsable era otro Maestro: Theodore Ushev.
Gloria Victoria de Ushev ganó la Mejor Animación, y con toda justicia podía haber ganado el Primer Premio, porque, esta sí, es una auténtica obra de arte. El planteamiento es decididamente tradicional: un retrato de la crueldad y la atrocidad de la guerra, a partir de un recorrido por las más diversas y feroces manifestaciones plásticas de la misma, sobre todo el surrealismo
y el cubismo (no falta el Guernica de Picasso), y musicada con la extraordinaria Sinfonía Leningrad nº 7 de Dimitri Shostakovich. En principio un espectáculo vistoso, intemporal, concebido para ganar premios y ganarse el aplauso de la intelectualidad más confortable.
Pero cualquier prejuicio se derrumba ante la fuerza abrumadora de esta obra. Ushev, sencillamente, está a la altura de Shostakovich. Y aunque, a continuación, pueden ver un trailer de la misma, es evidente que Gloria Victoria pide a gritos ser contemplado en pantalla grande. Por su talento plástico arrollador, su imaginación visual, la energía de su montaje, el furor de sus líneas cinéticas. Gloria Victoria despliega en todo su esplendor la energía destructora y autodestructora del ser humano, y muestra y demuestra la inmensa capacidad de las artes plásticas para hacer sentir todo el ímpetu de esa destrucción. Una obra imprescindible sobre la que, con toda probabilidad, volveremos una y otra vez en los próximos meses.
Óscar de Julián
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