No sería justo comenzar sin algunos peros. Este año, el FICCI de Cartagena de Indias ha adoptado los ropajes del corto supuestamente más comprometido y vanguardista, y nada habría que objetar si esta línea se caracterizara por la diversidad de propuestas y la independencia de criterio, pero no está claro que sea el caso. FICCI 2016 vuelve a empacharse de estilo verista y observacional, como si no hubiera otras maneras de abordar el, hoy por hoy, interesantísimo corto latinoamericano (por supuesto hay excepciones, pero no demasiadas). Y su criterio independiente parece depender demasiado del criterio ajeno: de los 20 títulos a concurso, cuatro procedían de las diversas secciones de Cannes, dos del último Berlín, tres habían sido estreno en Locarno, además de otros ya seleccionados en Venecia o Vila do Conde, o ganadores en Stockholm. De hecho, sólo había tres estrenos mundiales. Tal bagaje sería digno de todo respeto para certámenes más modestos, pero que un Festival de la envergadura del FICCI adopte la política de Festival de Festivales sabe, más bien, a poco.
En cualquier caso, las salvedades apuntadas no logran empañar el excelente momento del cortometraje latinoamericano. Y como, sin duda, hay para elegir, este año nos centraremos exclusivamente en los títulos que, a nuestro entender, resultaron más afortunados.
La impresión de una guerra, de Camilo Restrepo
Días felices para el Documental latino
Cartagena de Indias dejó constancia del momento dulce que está viviendo el Documental de la Región programando aquellos trabajos que están en boca de todos, y de los que Cortosfera ya se ha ocupado con amplitud: el Mejor Cortometraje del FICCI 2016, el colombiano y ya sobradamente reconocido La impresión de una guerra de Camilo Restrepo, que desde su estreno en Locarno ha dado que hablar repetidamente; y el emocionante Un cuento de amor, locura y muerte del chileno Mijael Bustos, que inició su reinado internacional cuando obtuvo el Mejor Corto Documental en Krakow.
Pero ocupémonos del mexicano El buzo de Esteban Arrangoiz, que después de obtener el Mejor Corto Documental de Morelia fue seleccionado en la Berlinale, y que, a mi juicio, constituye uno de los documentales más esenciales y precisos de la temporada. Parte del mérito viene de su excepcional tema: la descripción de la actividad profesional de un hombre que se sumerge cada día en las profundidades de las aguas residuales, con objeto de eliminar los obstáculos que dificultan la perfecta circulación de estas.
El vídeo enlazado en el artículo original ya no está disponible en su plataforma.
Para Arrangoiz este buzo es una especie de Dios en un abismo que sólo le pertenece a él, y su trabajo, aparentemente humilde, se revela vital cuando comprobamos con nuestros propios ojos cómo, gracias a su labor, las aguas vuelven a fluir. Arrangoiz no se queda en la mera contemplación: sus planos, excepcionalmente certeros y bellamente compuestos, poseen una carga tan cercana como mítica, y sus ideas de puesta en escena son tan sencillas como rotundas: jamás veremos el fondo de las aguas, sólo un negro absoluto acompañando a la voz del buzo en un mundo sin luz.
Puede que Iceberg de Juliana Gómez Castañeda (Cuba-Venezuela), ya presente en el IDFA de Amsterdam, no llegue a la altura del título anterior, pero sus logros también son considerables. Representante este año de la Escuela cubana de San Antonio de Los Baños, Iceberg dedica todo su espacio y su afecto a una abuela menesterosa que sobrevive pescando en una isla, y a las mujeres de su familia, que se extienden a lo largo de cuatro generaciones. Unas vivas, otras muertas.
Gómez Castañeda describe muy bien las preocupaciones y los lazos afectivos, invisibles pero intensos, entre la abuela y estas mujeres, a lo largo de escenas vivaces, a veces de una intimidad impúdica: la abuela desperezando a la nieta para que vaya al colegio (en efecto, es muy similar a la escena de Buenos días resistencia, y algunos podrían preferir esta), la abuela mostrando su cariño a su hija por teléfono; la abuela pescando tumbada boca arriba en una especie de colchoneta, siempre acompañada de una perra entrañable que casi le roba el documental; y, sobre todo, las soberbias escenas en las que se comunica con la madre muerta, ya sea por rituales de santería o por sus desgarradores lamentos delante de la vieja tumba. Para la protagonista de Iceberg, los vivos no están lejos de los muertos.
Iceberg, de Juliana Gómez Castañeda
Juventudes convulsas
La juventud, o la pérdida de la misma, siempre ha sido uno de los temas estrella del cortometraje, y esta edición de Cartagena de Indias no ha sido una excepción. En nuestra crónica de Cannes ya hablamos de dos ficciones que ganaron respectivamente el Segundo y el Tercer Premio de Cinéfondation: Locas perdidas de Ignacio Juricic (otro triunfo para Chile, que ha vivido un año inolvidable) y Víctor XX de Ian Garrido López, única pieza española a competición. Los dos centraban sus relatos en la problemática LGTB.
Paralelamente hubo otras dos ficciones, tal vez algo imperfectas pero prometedoras, que dedicaban su tiempo a las huellas que la miseria, la delincuencia y el narcotráfico dejan en los jóvenes, en ambos casos con una mirada tan afectiva como implacable. En cuanto al primero, todos adivinamos que un cortometraje titulado El Edén tiene todas las papeletas para describir, precisamente, un puto infierno, y así sucede.
El Edén, de Andrés Ramírez Pulido
El colombiano El Edén de Andrés Ramírez Pulido, estrenado en la Berlinale, relata la incursión clandestina de dos adolescentes en un balneario ruinoso, donde murió asesinado el padre de uno de los chicos. Un trabajo algo convencional en ciertos pasajes, pero que gana enteros en las escenas que se refieren al padre muerto, evocado a través de un escenario fantasmagórico en el que se vislumbra un pasado de narcotráfico, o en una preciosa secuencia en la que el chico se pone a silbar como le enseñó su padre. Y por supuesto, los poderosos y aislados estallidos de violencia, cuya inesperada contundencia está a punto de helar la sangre, entregando así un final desolador.
No es menor el infierno del mexicano 24ᴼ 51′ Latitud Norte de Carlos Lenin, que parte de una situación que recuerda no poco al inicio de The Deer Hunter (El cazador, Michael Cimino, 1978). Si allí el grupo de amigos cazaba ciervos, aquí los amigos se disponen a pescar, aprovechando que uno de ellos ha vuelto a visitar el pueblo después de once años. Y como suele ocurrir en estos relatos de reencuentro, el tiempo no ha pasado en balde.
Lenin sabe transmitir cómo se desvanece una amistad en mitad de un ambiente que ha crecido con el mundo narco, y para ello combina la naturalidad de las interpretaciones y acciones con los juegos de lenguaje y montaje a lo Godard. Estos juegos le confieren cierta novedad visual, pero también lo dispersan demasiado, porque el equilibrio entre la emoción clásica y la alegría de experimentar no siempre está logrado. Pero no olvidemos que Lenin tiene buenas ideas formales y sabe transmitir tensión y emoción. Sólo le falta ese equilibrio entre una cosa y otra, y sin duda lo logrará en su próximo trabajo.
Nuevos realismos fantásticos
El corto latinoamericano ha vuelto a demostrar que, partiendo de imágenes decididamente veristas, es posible traspasar las fronteras de la irrealidad. En este sentido aparece una de las propuestas más divertidas del certamen (bueno, la única divertida), cuyo responsable es el brasileño André Novais Oliveira, asiduo de la Quincena de Realizadores de Cannes y que este año volvió con Quintal, un corto que, si no me equivoco, está protagonizado por sus provectos padres. En principio, vean la foto inferior, otro trabajo observacional sobre la vida cotidiana de una pareja mayor de clase media, sobre el paso del tiempo, los sueños perdidos y esas cosas… hasta que, sorpresa, aparece un viento huracanado que está a punto de llevarse a la mujer, y a continuación nada menos que un vórtice interdimensional.
Quintal, de André Novais Oliveira
Al meter a sus padres en situaciones de ciencia-ficción, videos porno y corrupción política, Novais Oliveira no hace sino dejar más patente, por contraste, la postergación social a la que están sometidos los mayores, cuya experiencia profesional y personal es despreciada por sistema, y a la vez homenajea la vitalidad oculta de estos (el corto finaliza con el protagonista saltando de un brinco). Su humor puede resultar dudoso y algo caduco, pero el caso es que Quintal rebosa simpatía y supone una manera refrescante de enfrentarse al método observacional. Casi parece una parodia del mismo, por no decir una bofetada al exceso de verismo plano que invade los festivales de todo el mundo.
Y la que para nosotros ha sido la mejor de las propuestas fantásticas: la argentina No hay bestias de Agustina San Martín. Al principio desconcierta, pues parece un conglomerado de imágenes bellamente fotografiadas pero inconexas y algo huecas, pero esa impresión inicial desaparece pronto, cuando las piezas comienzan a conformar un precioso relato fantástico, la irrealidad irrumpe en una existencia cotidiana y familiar que provoca la desaparición de la tía del protagonista en un bosque ominoso, y la luz y el sonido cobran vida propia y belleza sobrenatural.
No hay bestias parece un cruce de El espíritu de la colmena de Víctor Erice (incluso hay unas niñas que hablan por lo bajo en el dormitorio) con el nuevo cine fantástico que nace en Lynch y ha puesto de moda It follows de David Robert Mitchell. De algún modo, parece la respuesta latina al magnífico y turbador Beach Week. Y por si fuera poco, incluye juegos de espacio-tiempo a lo Resnais: en ningún momento el espectador sabe si lo que está viendo pertenece al pasado o al presente. Como ocurría en Marienbad, el tiempo desaparece. Es seguro que volveremos a encontrarnos con esta sorprendente pieza argentina, y esta sí, mérito absoluto del FICCI, ya que se trata de un estreno mundial.
Óscar de Julián
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