Curtocircuíto cerró en 2016 su edición más ambiciosa hasta la fecha, cosechando un notable éxito tanto en la afluencia de público como en la composición de una programación variada y singular, de gran interés y calidad media. Cabe hacer notar el esfuerzo del festival en ofrecer en su selección a concurso, repartida este año en cuatro secciones, numerosos estrenos en España (son que el festival lo exija taxativamente), de manera que Curtocircuíto se erige así, paso a paso, como una de las citas de referencia dentro del panorama del cortometraje a nivel nacional y europeo.
El festival continúa en permanente evolución, consolidando la trayectoria que emprendió hace ya cuatro años motivada por un cambio en su dirección, que le está llevando a ser más plural y multidisciplinar, atendiendo no únicamente a programar piezas cortas que reflejen las nuevas derivas de los lenguajes, los temas y los estilos cinematográficos que se dan en este terreno. El festival cada vez se abre más a la incorporación de nuevas convergencias entre el cine y otras artes, y este año ha fijado notablemente su atención en los live cinemas. Además ha ofertado una importante y meditada oferta formativa que complementa la parte de exhibición. Si a ello le sumamos la presencia en el festival de personalidades de la talla de Abel Ferrara, Sergei Loznitsa o Chema Prado (exdirector de Filmoteca Española), o las apuestas por nuevos valores como Ana Vaz o Pedro Maia, entendemos por qué en pocos años se ha aupado entre los eventos cinematográficos más importantes de España.
Chris Olsen. The boy who cried, de Mark Rappaport
Competiciones internacionales
Curtocircuíto divide sus competiciones internacionales en dos bloques, Radar y Explora, donde se busca dar cuenta de las evoluciones contemporáneas del cortometraje. La primera sección atiende a obras con mayor vocación narrativa, aunque siempre primando las piezas que apuestan por cierta renovación del lenguaje, mientras Explora se especializa en las mutaciones más experimentales, también con una perspectiva muy abierta y diversa dentro de la concepción de este género.
En ambos casos la competición estuvo balanceada entre trabajos de autores bien reconocidos y otros que permitieron al público descubrir nuevos valores. Al primer grupo pertenece Mark Rappaport, veterano cineasta y erudito de origen norteamericano (pero afincado en París), que este año logró alzarse con el Premio Radar con su trabajo Chris Olsen. The boy who cried (Francia, 2016). El año pasado, Rappaport obtuvo la Mención Especial de esta categoría con su deslumbrante Becoming Anita Ekberg.
En este nuevo trabajo (no me atrevo a decir el último, habida cuenta la velocidad de producción de Rappaport), el director, fiel a su estilo y trayectoria, materializa un nuevo ensayo fílmico tomando como base el cine clásico de Hollywood, para centrarse en la figura del olvidado, pero en su momento ubicuo, actor infantil Chris Olsen. Con el ingenio que le caracteriza y un fino sentido del montaje, Rappaport logra traspasar el mero registro documental y el reconocimiento del niño-prodigio para ahondar más profundamente en el subconsciente popular norteamericano de su época (y de la nuestra) y hablar de la masculinidad y sus traumas de una manera tan lúcida como emocionante.
Notre héritage, de Jonathan Vinel
El jurado Radar concedió su Mención Especial a otro de los títulos más destacados de la competición, Notre héritage (Francia, 2015), dirigido por Jonathan Vinel con la colaboración de Caroline Poggi: un film rotundo y fresco, sorprendente de principio a fin y que funciona como una carga de profundidad para los sentimientos.
Radar también acogió títulos destacados, como el telúrico acercamiento carioca de Nicolas Klotz y Elisabeth Perceval Mata Atlántica (Francia/ Brasil, 2016), el oscuro Tout simplement (Raphael Ouellet. Canadá, 2016) o las sobresalientes animaciones Missing one player, del genial Lei Lei; Planemo (Veljko Popovic. Croacia, 2015), Vita lakamaya (Akihito Izuhara. Japón, 2015) o Happy end (Jan Saska. República Checa, 2015), además de otros films ya reseñados en esta publicación, como Léthé, Valeria, Import, Over, My last film y Decorado.
El premio Explora correspondió a B-Roll with Andre, del norteamericano James N. Kunitz, un ejercicio de radicalidad visual y activismo político concebido como un collage que pone de relieve la exposición del ciudadano a los mecanismos de control del poder. Kunitz, que dirige este film como parte de una trilogía, se descubre como un cineasta sumamente personal, que entremezcla sabiamente formatos y lenguajes para construir una pieza demoledora. La Mención Especial de esta categoría fue para Gerhard Treml y Leo Calice por Eden’s edge. Three stories on the Californian desert (Austria, 2014), ganador también del premio Camira de la crítica. Este jurado también concedió una Mención Especial a otro título de esta sección, A fudamental error, de Alberte Pagán, toda una figura dentro del cine experimental gallego, y que reflexiona plástica y temáticamente acerca del concepto del error partiendo de una entrevista realizada a Peter Kubelka.
Explora se reinvindicó un año más como la competición más arriesgada y diversa de Curtocircuíto, recogiendo tanto obras que apuntaban hacia la abstracción, el conceptualismo o el formalismo, entre ellas Ice (Robert Todd. EE.UU, 2015), Something between us (Jodie Mack. EE.UU, 2015), Engram of returning (Daïchi Saïto. Japón, 2015) Zdarzenie plastyczne (Anna Waszczuk. Polonia, 2016) o Vintage print (Siegfried A. Fruhauf. Austria, 2015) -esta última merecedora del premio del Xurado Novo; mientras que otras abordaban la experimentación desde una perspectiva un poco más narrativa, como fueron Nuestra amiga la luna (Velasco Broca. España, 2016), Exquisite corpus (Peter Tscherkassky. Austria, 2016), Cilaos (Camilo Restrepo. Francia, 2016), Personne (Matthias Müller, Christopher Girarde. Alemania, 2016), There is a happy land further away (Ben Rivers. Reino Unido, 2015) u Hotaru (William Laboury. Francia, 2016).
Vintage print, de Siegfried A. Fruhauf
Como no puede ser de otro modo en una selección que busca la experimentación, el conjunto de propuestas era tremendamente variado, pero destacó sin embargo una especial atención a piezas que indagaron desde lo plástico a lo argumental acerca de las ideas de paisaje y territorio; obras casi todas ellas de gran interés, que bien podrían haber compuesto un eje temático desde el que invitar a pensar sobre estos conceptos: Exodus (Nicolas Provost. Portugal/Países Bajos, 2016), New Madrid (Natalia Martín. España, 2016), Montañas ardientes que vomitan fuego (Samuel G. Delgado, Elena Girón. España, 2016), Vivir para vivir (Laida Lertxundi. EE.UU./España, 2015), Bending to Earth (Rosa Barba. EE.UU./Alemania, 2016), An aviatoin field (Joana Pimenta. EE.UU./Portugal/Brasil, 2016) o algunas de las ya citadas anteriormente (Vintage print, Ice, Something between us…).
Completaron el palmarés internacional el Premio del Público, que sorprendentemente fue a parar a uno de los cortos más divertidos de la Noite Malandra (sesión gamberra del festival), el por otra parte muy logrado Cipka (Renata Gąsiorowska. Polonia, 2016) y el premio Criaturas, concedido por un jurado infantil, que eligió para este galardón al emotivo Moroshka (Polina Minchenok. Rusia, 2015).
El pulso del cine local y nacional
Rueda cabeza, de Borja Santomé
Hace ya unos cuantos años que Novo Cine Galego dejó de ser una mera etiqueta para que, lejos de definir un hype, sirva para definir a un conjunto de cineastas más o menos heterogéneos, con más o menos puntos en común, pero que comparten algo más que el mero hecho de ser originarios de Galicia. La lista cada año se ensancha más, al mismo tiempo que la propia esencia de la definición, y tiene en Borja Santomé un nuevo talento. Santomé, de quien Curtocircuíto ya proyectó el año pasado Historia cerebro practica un cine de animación tremendamente personal y muy vinculado a una concepción pictórica; de hecho, sus piezas están originalmente realizadas en óleo y otras pinturas, y desbordan rabia, angustia y violencia. Rueda cabeza es en realidad la pieza del medio de una trilogía que forman el anterior Historia cerebro y Lago sabroso, también mostrado en esta edición del festival compostelano, aunque, como los otros, también puede funcionar como obra independiente. Santomé ahonda en este corto en la descripción de un universo deformado, tenebroso y perturbado, donde lo urbano choca frontalmente con lo personal.
Où est la jungle?, de Iván Castiñeiras, fue la segunda obra destacada de esta sección, y obtuvo la Mención Especial del Jurado, además del galardón otorgado por la Asociación de Directores y Realizadores de Galicia CREA. En el extremo opuesto de Santomé, Castiñeiras desarrolla aquí un detallado trabajo documental que nos lleva a las selvas, los mares y los ríos de Brasil para, partiendo de las experiencias de un emigrante europeo, ahora anciano, hablar del colonialismo, la explotación del territorio, la marginalidad de sus habitantes y la transformación del paisaje. Cierto que otras obras cinematográficas se han fijado en estos temas, pero Où est la jungle? no deja de ser poéticamente eficaz y discursivamente emotivo.
Où est la jungle?, de Iván Castiñeiras
Además del ya citado Alberte Pagán y su A fundamental error, el listado de cineastas gallegos que vieron reconocida su labor con un premio en la pasada edición de Curtocuricuíto se completa con el premio AGAG, que recayó en Decorado, del coruñés Alberto Vázquez, y la Mención Especial que este jurado concedió a Tout le mond aime le bord de la mer, de Keina Espiñeira.
Como novedad en este año, la sección Penínsulas dejó de lado su carácter ibérico y pasó a concentrarse únicamente en la producción española, a la par que adquiría una condición competitiva. Los seis títulos que integraban la sesión venían a completar la panorámica que el festival realiza sobre el cortometraje estatal y se sumaban a los restantes films de Planeta Gz y los cortos españoles presentes en las otras secciones oficiales para competir por el Premio Penínsulas, que otorga la posibilidad de acceder al paso previo a la nominación para los Premios Goya 2017, honor que en esta primera ocasión recayó en una de las más notables obras que se proyectaron en el festival: La disco resplandece, de Chema García Ibarra.
Laia Pons
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